Aprovechando mi viaje a NYC me pareció interesante hacer el mismo ejercicio fotográfico que realicé en Madrid y Valencia sobre tipografía urbana. Destacaría que aunque NYC es una de las capitales más importantes en cuanto al diseño, la utilización de la tipografia en el mobiliario urbano es bastante similar: tipografía sans-bold y condensed por lo general. Hay que decir que el mobiliario urbano parece más cuidado respecto al diseño, con más colorido y puede entenderse mejor de un vistazo.
Os dejo una selección con algunos ejemplos. Espero que os guste!
¿Empiezas un proyecto y nada más arrancar todas tus tipos no son suficientes? ¿Necesitas algo nuevo, fresco y diferente (como pone en tu brieffing)? ¿O tal vez sólo necesitas echar un vistazo para inspirarte?. Pues para eso hago este post. Os recopilo unas cuantas direcciones de fundiciones en las que podréis encontrar toda clase de tipografías y por supuesto comprarlas. Empezemos:
Fontfont La Biblia
Klim Type Foundry podéis encontrar sus tiografías en Village
y aquí el resto de mis favoritos:
http://www.letterror.com/
http://lineto.com/
http://www.typotheque.com/
http://www.comicbookfonts.com
http://www.mvbfonts.com/
http://www.ourtype.be/
http://www.dutchtypelibrary.nl
http://www.foundrytypes.co.uk/
http://www.withoutwalls.com
http://www.t26.com/
http://www.fountaintype.com/
http://fonts.gestalten.com/featured/
http://www.felicianotypefoundry.com
http://www.typonine.com/
http://primetype.com/
http://www.vllg.com/fonts/
http://www.gerardunger.com/
http://www.neubauladen.com/
http://neutura.org/Aires.html
http://subtype.org/
http://new.myfonts.com/
http://www.typetrust.com/
http://www.parachute.gr/
http://www.emtype.net/
http://optimo.ch/
http://www.typerepublic.com/
http://betatype.com/
http://www.theleagueofmoveabletype.com/
http://commercialtype.com/typefaces
http://www.colophon-foundry.org/
http://www.boldmonday.com/
http://www.typetoken.net/category/typeface/
http://www.type-together.com/
http://losttype.com/
Seguro que se me escapa alguno pero, a día de hoy, estos son los que tengo. Si quieres añadir alguno al listado, añade un comentario.
Read MoreEste post nace de una conversación con un colega ilustrador sobre la situación actual de su disciplina artística. Las preguntas son obvias: ¿Hacia dónde va? ¿Cómo se han adaptado los ilustradores a las nuevas necesidades de comunicación?¿Qué perfil demandan las grandes publicaciones o los grupos de música más punteros? Y por último, ¿Dónde situamos el modelo clásico de ilustración de autor? ¿Se queda atrás o se sigue apostando por ella?
Yo apuesto por el tipo de ilustración/ilustrador que os muestro a continuación como futuro (que ya es presente) para trabajos que necesitan mostrar una información muy complicada de manera sencilla, estando a un nivel de reconocimiento similar al de la fotografía para su utilización en revistas, periódicos, pósters de música, etc. Desde empresas como Monocle, The Economist, Esquire, IBM,… hasta grupos de música como Death Cab for Cutie y the Decemberist, pasando por series como Flight of the Conchords, todas estas ilustraciones tienen en común una capacidad de conceptualización asombrosa junto a una gran destreza para conjugar los elementos básicos de composición, consiguiendo un resultado claro. No añaden elementos, potencian los clave.
A continuación os detallo una lista con los que tienen un trabajo más potente y puntero, no están todos lógicamente, pero son los que más se suelen dejar ver en los medios.
Cualquier aportación que nos hagáis llegar, será un motivo más para seguir creciendo. Gracias.
—

![]()
—
Edits by edit. Se plantea la conceptualización de un estilo de musica a varios estudios: Bas Koopmans, Collective Approach, Duane King, Hey Studio, Manual Creative, Mark Boyce, Leterme Dowling, Sane & Able, Studio Makgill, Toko, Trevor Jackson, This Studio. Ahora la página no funciona, pero os dejo el enlace por si se actualiza Edits by Edit
—
Eight:48. La ilustración pasa a formar parte de la identidad de una revista, y es usada siemore como portada.
—
—
_
_
—
—
—

—
—
Read MoreEste año parece que la cuesta de enero se vaticina más en cuesta que nunca, las previsiones económicas no auguran buenas noticias, y España empieza el nuevo año como lo terminó, en recesión.
No se pueden realizar previsiones a largo plazo de cómo evolucionará el panorama económico nacional, pero situándonos a corto plazo, más concretamente en el primer trimestre del año, las noticias que nos inundan no transmiten esperanzas sino palabras de esfuerzo y sacrificio.
Dado que hemos terminado las fiestas navideñas y empezado un año nuevo, ahora toca coger la calculadora y echar cuentas. Este blog suele recoger los aspectos más punteros del ámbito del diseño, cultura y arte; pero en este post, además de informaros de las principales modificaciones económicas que nos va a tocar sufrir, os voy a transmitir como el diseño se adapta a las circunstancias del entorno económico actual y nos ofrece su visión más práctica para ofrecer soluciones a los problemas que surgen. Porque no nos engañemos: tal y como podemos leer en Wikipedia, el concepto de diseño como lo definió Gui Bonsiepe (Ingeniero Industrial) es “hacer disponible un objeto para una acción eficaz.”
ESCALONES DE LA CUESTA
Subidas:
- Impuesto sobre la Renta de las Personas Físicas
- Impuesto Bienes e Inmuebles
- Hipotecas
- Servicios Básicos (Gas Natural y Agua)
Un poco de oxígeno:
- Eliminación Canon Digital
- Congelación de la tarifa eléctrica
Y más subidas:
- Peajes autopistas (3,2%)
- Correos (2,86 %)
- Combustible (Gasolina y Gasoil)
_
PRINCIPALES CONCLUSIONES
La subida del IRPF, en lugar del IVA, aunque perjudicial para nuestros bolsillos mensualmente perjudica menos que el IVA, ya que supondría una reducción del consumo de las familias. Por otra parte, esta subida de impuestos será progresiva de forma que pagarán más los que tengan más recursos.
La prórroga de la ayuda de 400€ a parados de larga duración supone una importante ayuda a las personas que se encuentren en situación muy precaria. Pero no hay que olvidar que la gente quiere menos ayudas y más trabajo.
Consideremos positiva la eliminación del canon digital, a la espera de que se traduzca en una reducción del precio final de los productos tecnológicos. Pero si leemos la letra pequeña, esto supone que antes pagaba quien lo adquiría . Sin embargo, ahora, al estar imputado en los presupuestos generales, lo pagamos todos.
Por contra, no parece muy razonable la vuelta de la desgravación por adquisición de vivienda en su formato anterior, medida que beneficia de forma muy clara a los contribuyentes con mayor poder adquisitivo y que tiene un coste muy alto en las arcas públicas (más del 0,5% del PIB). En la práctica, esta desgravación fiscal produce un aumento general del precio de la vivienda (favoreciendo, por tanto, la creación de burbujas especulativas), a la vez que reduce los incentivos para la movilidad geográfica de los trabajadores.
En todo caso la medida más perjudicial, en términos económicos, es la reducción de las partidas destinadas a las subvenciones en I+D+i, más aún cuando nuestro país sufre enormes carencias en estas materias y hacen falta nuevas vías de crecimiento que nos ayuden a dejar atrás la actual crisis.
_
¿CÓMO PODEMOS SOBREVIVIR? ALGUNAS IDEAS
Do it yourself!
En tiempos de crisis, vuelve el “Hazlo tú mismo!” Haz tu comida, haz tu ropa,… haz todo lo que imagines y más! Surgen con fuerza los cursos de tricot, punto, cocina… Con el mismo fin que el de nuestras abuelas: hacer piezas únicas, baratas, además de la satisfacción personal de tener algo que has hecho con tus manitas. Al igual que con la ropa, surgen los cursos de cocina y muchas ideas con las que aprender cosas nuevas y ahorrar dinero.
Podéis echar un vistazo en algunos ejemplo de talleres
Moda – Peseta:
Cocina > apetitoh
http://www.apetitoh.com/#

ReciclArte
En muchas países europeos, como en los Países Bajos, está muy bien visto el coger de la calle los muebles que la gente no quiere y reciclarlos devolviendo la utilidad de los mismos de nuevo a otros hogares.
Aquí en España, hay asociaciones como Remar que, además de realizar una labor solidaria, ofrecen muebles restaurados a muy buen precio. Otra opción es restaurarlos nosotros mismos o crear muebles “nuevos” a partir de cosas viejas o que teníamos olvidados en el desván.
Otra opción es dar la vuelta a objetos que jamás hubiéramos pensado que tendrían esa utilidad pero que, con creatividad e imaginación, podemos convertir nuestra casa, por ejemplo, en un espacio único por muy poco dinero. Eso sí, siempre es recomendable visitar blogs de decoración, ojear revistas de decoración…
Sofá de palets (By flickr citypix)
Mesa de centro con ruedas (flickr isol2)
Silla (flickr grifray)
La vuelta del tupperware
Nuestra generación, a diferencia de la de nuestros padres y abuelos, se ha mal acostumbrado a la vida rápida, todo es rápido y cambiante, nunca se tiene o se encuentra el tiempo para cocinar.
Si hacemos cuentas y unas analíticas, veremos que, si comemos de “tupper” con comida preparada por nosotros mismos, todo lo anterior mejorará.
Hay muchos blogs que se han dado cuenta de la importancia de comer fuera de casa bien y a un precio asequible:
Blog: Por mis perolas (Tienen un menú tupper semanal)
Y, cómo no, el diseño también esta presente en los famosos tupper para alegrarnos un poco la vida!
Tupper: Shop in LEGO
Para ser más prácticos…
Hay hasta un Club del Tupper! Pero muy cool, por supuesto: formado por 11 blogs muy interesantes. No hay duda, se puede ahorrar y estar a la última…
Renovar el fondo de armario
Una buena opción para renovar el armario en este mes tan complicado son los mercadillos. Hay que estar muy atento para no perdérselos pero, ésa es la ventaja, sabes que podrás adquirir prendas asequibles sin renunciar al diseño y la calidad. Un ejemplo para este mes es el siguiente:
Fuente: La Aguja en el dedo.
Si eres un moderno pero quieres sobrevivir a la cuesta y no dejar de apostar por marcas y diseñadores como Fred Perry, Loreak Mendian, Franklin and Marshall, Merc, Full Circle… El secreto está en el “escaparate trasero” de la tienda Mezcla (Calle Lope de Rueda, 24 Madrid). Como su propio nombre indica, podemos encontrar, además de prendas de temporadas anteriores a precios muy interesantes, un diseño de espacio único con un enorme escaparate, amplio y confortable, perfectamente atendida y muy bien ambientada.
Una mezcla (y nunca mejor dicho!) de modernidad y clasicismo, muebles repujados junto a estanterías de diseño vanguardista. Tan sólo la visita merece la pena.
Fuente: http://mezclaodonnell.blogspot.com
Muévete gratis
Ya que el combustible está por las nubes, cada día veo más gente que se mueve por la ciudad en bicicleta, un medio de transporte ágil, limpio, gratuito y, lo mejor de todo, sin problemas para aparcar ni tener que pagar SER. En ciudades como Madrid si no te mueves en bici, es porque no quieres porque puedes alquilar en empresas como:
Si por necesidad tienes que desplazarte a sitios donde sólo se puede acceder en vehículo privado, ni en transporte público ni te apetece pasar frío ni mojarte, existe la posibilidad de compartir coche (Ahorras + Reduces Emisiones + Conoces Gente)
O€-cio
Estar en la cuesta de enero no significa que no podamos salir y poder tener alternativas de ocio a 0€ y, de paso, poder pensar en otras cosas que no sea pagar facturas.
Apuntate al Bookcrossing
BookCrossing o BC es la práctica de dejar libros en lugares públicos para que los recojan otros lectores, que después harán lo mismo. La idea es liberar libros “en la jungla” para que sean encontrados por otras personas.
Es una divertida opción para poder leer ejemplares de libros gratis, además del aire bohemio de la iniciativa.

Apúntate en: www.bookcrossing-spain.com
Pásalo de cine
La Filmoteca Nacional (C/ Santa Isabel, Madrid) ofrece ciclos de cine, películas españolas y extranjeras, antiguas y nuevas, a precios muy asequibles (público general 2,5 € / estudiantes 2 €), así puedes pasar las tardes frías de invierno viendo buen cine a un precio más que asequible.
Propósito cumplido: aprender idiomas
Todos nos proponemos por el año nuevo cosas que muy pocas veces cumplimos. No tener presupuesto ahora no puede ser la excusa: puedes aprender idiomas mientras conoces gente y te tomas algo (todo esto al precio de la consumición). La única condición es que tú también enseñes a otra personas. Un ejemplo muy popular de este intercambio en Madrid es “O’neills” (Barrio Huertas).
Cultura, conciertos, exposiciones y mucho más…
El conocimiento no ocupa lugar (ni vacía el bolsillo). En ciudades como Madrid, hay muchas alternativas gratis que enriquecen nuestra mente, tan sólo hay que saber qué, cuándo y dónde. Opciones hay muchas y, por ello, sólo recojo las más populares:
Museos: entrada gratuita para estudiantes (18-25 años), menores de 18 años, desempleados, discapacitados, guías oficiales de turismo y periodistas). En general, sólo colección permanente: lunes a sábado 18-20 h / domingos y festivos 17-20h
La Casa Encendida: actividades gratuitas culturales de todo ámbito (consultar programación aquí)
Actividades gratuitas en Madrid, Barcelona y Sevilla: cursos, seminarios, conciertos, etc. (puedes consultar semanalmente la programación actualizada aquí)
_
Con todas las opciones anteriores seguro que se nos va a hacer a todos esta cuesta de enero mucho más llevadera.
FELIZ CUESTA DE ENERO PARA TOD@S!
Read MoreUn fabricante de cosmética retiró hace poco un anuncio de publicidad con la cantante Taylor Swift, a su vez la autoridad de control ‘national advertising division´ puso en duda el exceso de la manipulación con PHOTOSHOP.
La crítica, en general, crece alrededor de este tema: la eterna tendencia hacia la cara o el cuerpo perfecto. Hay alguna diferencia entre reproducibilidad digital y la manipulación?
Al principio sólo eran pestañas falsas, y la marca de máscara promete un volumen doble a sus clientes con la foto de la actriz que nos sirve como muestra o demostración. La foto “final” es muy convincente, pero en realidad las pestañas no están creadas con dicha máscara sino con los pinceles de PHOTOSHOP. El publicista escribe en letras pequeñas de esquina a esquina inferiores: “Las pestañas se han retocado en postproducción”.
Illusiones creadas con ayuda de PHOTOSHOP no son nada nuevo en el mundo de la publicidad. Estamos acustumbrados a ver modelos que parecen más bien avatares que otra cosa,
con sus facciones y pieles perfectas. Se retocan nariz, boca y cejas, se quitan arrugas, manchas y pelos. Lo que sí es más novedoso es el hecho de que la ‘national advertising division´ intenta prohibirlo o controlarlo de algún modo. Las fotos manipuladas transmiten un ideal de belleza
irreal y crean un peligro enorme especialmente para chicas adoloscentes que intentan ser como las modelos de la publicidad.
En muchas ocasiones, los retoques son tan obvios que sólo pueden parecer ridículos, y no sólo un profesional podría detectar que se trata de un montaje mal hecho. A continuación os adjunto algunos ejemplos de casos de manipulación con PHOTOSHOP.

Publicidad retirada de la cantante Taylor Swift

La cantante Beyonce para la revista Joy y Glamour

La cantante Britney Spears para su album ‘Candy’

La actriz Demi Moore para la revista ‘W’

La actriz Sarah Jessica Parker
De muchas de las revistas/publicaciones especializadas/magazines que conocemos existen, al menos, dos versiones: la de papel y la digital/online. Sólo algunas se han mantenido exclusivamente en papel. Otras, por la proliferación de blogs, en principio, y editores de texto, más tarde, surgieron ya con vocación exclusivamente digital.
Hay un tercer formato para estas publicaciones, divulgativas en mayor o menor medida: la app para distintos smartphones (smrtphs) y tablets. Iba a escribir “Hay muchas y muy distintas”, pero no. No hay tantas. Es un sector de edición emergente que depende directamente del desarrollo de distintas plataformas y soportes, de softwares y editores de código específicos. Y estos “desarrolladores” de apps están sujetos, en cierto modo, a los cambios en el hardware de cada uno de estos gadgets.
Resumiendo mucho, ciñéndome a lo más numeroso, existen tres “formas” de desarrollar la app para una publicación editorial_
1. Un pdf customizado para funcionar en smrtphs y tablets
2. Un desarrollador especializado para que programe la app
3. Desde softwares convencionales de edición de textos, empaquetar el contenido en contenedores/maquetas ya existentes, predeterminados y específicos para smrtphs y tablets
La que se está posicionando como resolutiva en el mercado es la tercera. Eso sí, hay que pasar por caja (con cualquiera de las plataformas de desarrollo de software) y tener todas las licencias en regla y al día. Además, hay que comprar un número de descargas específico (e in crescendo mejor) a App Store o iTunes, por ejemplo, dependiendo del caso y del device de recepción –es decir, a los “distribuidores” de las apps. Lo más importante tras esta tercera opción, hay que contar siempre con un diseñador digital o multimedia (lo que en nuestro entorno conocemos como “el hombre orquesta”), ese perfil tan codiciado que sabe de diseño gráfico, editorial y controla sin problemas editores de texto online, maquetas XHTML, algo de código (al menos para saber hacer un copy/paste acertado), edición y embebido de audiovisuales. Audiovisuales también? Sí. Es uno de los contenidos plus para publicidad, por ejemplo, como vais a ver en uno de los casos muy claramente. En el estudio tenemos este perfil entre nuestro equipo: Daniel Barrios, Director de Arte, desarrolla en estos momentos la app para MATADOR Ñ, la primera para esta emblemática revista en papel, (os la mostraremos en unos quince días).
Qué añade una app a la versión web, por ejemplo, de una publicación? En primer lugar, una experiencia de lectura radicalmente distinta. Si antes un click era “interactividad”, ahora es un movimiento monótono y casi pasivo. En segundo, una distribución internacional menos fluctuante que la de los web browsers (por la accesibilidad y usabilidad –ya se incorporan como opciones específicas en los smrtphs y tablets -localización, zoom, reseñar y anotar, luminosidad, alertas, marcar).
Ya decía antes que no hay tantas apps de publicaciones. Muchas de ellas son de pago y lo que descargas es un pdf para almacenar en tu propio kiosco. En su mayoría son las versiones de las más populares y conocidas revistas o publicaciones (New Yorker, V, How It Works…). Sobre éstas poco voy a reseñar… Se trata de la edición sencilla y poco interesante.
Lo que me ha resultado más difícil es seleccionar las que quiero mostrar aquí. Me he quedado con tres: por su navegación y arquitectura, sobre todo, por la experiencia de lectura y por la estética. En el caso de étapes, además, por el contenido y el estupendo trabajo de actualización del mismo.
1. Self Service #34
En este número podéis ver, entre otras muchas cosas, las ventajas que estas apps infieren a la publicidad como nuevo campo de exploración y experientación creativa para el posicionamiento tecnológico de cualquiera de las marcas. Qué hay en esta publicación? Es un bazar para prestigiosas firmas de moda y el trabajo de reconocidos fotógrafos en artículos o editoriales específicos, fundamentalmente. El gusto tipográfico, gráfico y editorial es sobresaliente, así como la arquitectura de contenidos.

[Self Service | Portada + Entrada]

[Self Service | Ejemplo Publicidad YSL]

[Self Service | Ejemplo Editorial Moda + Artículo Fotógrafo JT]
How you can use it_
2. App de la BMW Magazine
En este caso las imágenes se corresponden al número 02/2011. Os recomiendo especialmente la descarga y experiencia de esta app. Una de las más experimentales y divertidas que he encontrado. El lujo converge increíble con las tendencias en comunicación más actuales. Aporta al valor clásico de BMW lo que aportaba a esta marca la publicidad de las campañas de spots y audiovisuales de hace años, que no hemos vuelto a encontrar desde hace mucho (dicho sea de paso).

[Cabeceras "interiores" de artículos]
How you can use it_
3. Apps de étapes
Esta publicación de diseño de origen francés (aquí tenéis origen, temas y publicaciones internacionales de la misma) ha logrado una de las apps que mejor funcionan en cuanto a la actualización constante de noticias, artículos, reseñas, eventos… Hay muy buen trabajo de documentación tras la programación, acaso más estandarizada, pero perfecto ejemplo de cuándo los contenedores o maquetas/plantillas predeterminadas son necesarios. Hay una app específica como la versión de esta revista para tablets_

[Capturas de app de étapes para tablets | Para smrtphs la app tiene otra estructura visual]
Cuenta con otra app específica, por tratarse de la versión para tablets de la originaria en papel, que aporta dinamismo en la interacción con los contenidos_

[Versión app de la revista en papel]
En el estudio somos grandes seguidores de la primera… Traduciendo del francés… Por favor, étapes, una versión en inglés ya!
Read MoreEn las fechas en las que nos encontramos más de uno (yo la primera) estamos saturados de fiestas navideñas y, ahora que se acerca el final del año, los recopilatorios anuales típicos, por ello mi post (último del año) se desvincula pero no se aleja de todo lo anterior.
Seguramente más de una vez, os habéis preguntado por qué cada marca comercial se identifica con un color u otro, por qué a las pérdidas económicas se les llama números rojos y a las ganancias números negros, por qué las aseguradoras cobran más a los propietarios de un coche rojo o amarillo que a uno verde, etc.
Por este motivo me he propuesto indagar en los principales colores que se utilizan en las más relevantes compañías o en conocidos productos con el fin de explicar el uso y aplicación de los mismos.
Cada color lleva implícito unas connotaciones y matices. En función de estos, las empresas se decantan por uno u otro o combinaciones de varios, para lograr transmitir al consumidor lo que pretenden.
Para ello, dado la extensa gama cromática existente, voy a centrar mi análisis en la gama básica de la paleta (rojo, verde, azul y amarillo) y sus posibles combinaciones.
_
Rojo.
Este color lleva implícito en su significado sensaciones y emociones como la calidad, la pasión, el lujo, el corazón y, dependiendo de cómo se utilice, puede generar distintas percepciones de un mismo mensaje.
La principal cualidad de este color es que es muy llamativo a los ojos del espectador, haciendo resaltar cualquier objeto o texto a simple vista. Por ello, cuando se habla de “números rojos”, nos viene rápidamente a la mente que la persona que decidió utilizar este color o expresión para las posiciones deudoras lo hizo en base a resaltar dicha información como importante sobre el resto, (aunque otra razón de la utilización del rojo para la deudas puede proceder de la tradición oral de “anotar las deudas con sangre”).
Coca&Cola, desde sus orígenes, ha utilizado en rojo como color corporativo –es más, se dice que el Papa Nöel vestido de rojo por todos conocido surge de la publicidad de dicho refresco. Seat varió el fondo de su logotipo al rojo, cambiando su eslogan por el de “auto-emoción”.
Otra de las sensaciones que transmite el rojo junto con el color negro es el de lujo y ejemplos de ello son las marcas Carolina Herrera o la clásica Caja Roja de Nestlé.
Estas cualidades hacen que el rojo sea el color más utilizado como imagen de marca, no solo en el logotipo o marca sino en toda la estrategia de comunicación de la empresa (por ejemplo: Vodafone, patrocina Manchester United -camiseta roja; o el rojo competitivo que asociamos a la F1, procedente de la potente imagen Ferrari, de deportivos rojos).
_
Verde.
En los últimos años, este color ha ganado implantación en el mercado, dado la creciente preocupación por estilos de vida sanos y el cuidado del medio ambiente. Un ejemplo es McDonalds. Desde su origen se ha identificado con los colores amarillo y rojo y en los últimos años a pasado a convertir el color de marca al verde, para transmitir al consumidor que la comida que ofrecen es fresca, natural y están comprometidos con el medio ambiente.
Este color transmite sentimientos positivos, de alegría, frescura, naturaleza, libertad. Desde el punto de vista de la publicidad y marketing, es un color que conecta muy bien con el público joven.
Por ello, muchas marcas han utilizado este color para distinguirse del resto: Heineken ha conseguido diferenciarse del resto por el color de su envase y su eslogan “Piensa en verde”.
Las marcas de limpieza (Fairy, Ariel y Mistol) también lo utilizan junto con el rojo para reforzar la imagen de fuerza y efectividad pero a la vez responsable con el medio ambiente.
Aunque no hemos hablado de ello, el verde es un color que da mucho juego a distintas empresas por la diversidad de mensajes que logran sus distintos matices.
El Corte Inglés utiliza un tono más oscuro del verde que, junto con el negro, transmite la imagen de seriedad y solidez sin perder la connotación de cercanía que transmite el verde en sus variantes más luminosas.
_
Azul.
Este color tiene un abanico de significados que varía en función de la escala cromática utilizada. En su tono más neutro, el significado es solidez que se acentúa a medida que el tono se oscurece (incorporando connotaciones de seguridad, cercanía y fiabilidad). Por ello, la mayoría de las empresas que se decantan por este color son del sector financiero o asegurador, que destacan su comunicación en azul, junto con naranjas o verdes, para reforzar todos los aspectos reseñados anteriormente: BBVA, MoviStar, Ocaso son algunos ejemplos.
Llama la atención cómo las empresas que se hacen competencia utilizan normalmente colores complementarios: si MoviStar es azul, Vodafone es rojo; si el BBVA es azul, el BSCH es rojo; un clásico, la Coca&Cola es roja y la Pepsi azul.
_
Amarillo.
Es un color muy llamativo, brillante y que refleja gran cantidad de luz (sobre todo en las tonalidades claras). Produce sobre el espectador o consumidor efectos estimulantes que incitan al movimiento. Dependiendo del uso que se dé, en combinación o contraposición con otros colores, puede resultar incluso molesto.
Las cadenas de comida rápida optan por la utilización de estos colores (rojo y amarillo) para que haya mayor rotación de clientes y la gente simplemente consuma con la mayor rapidez posible.
En el campo de la automoción se utiliza bastante el color amarillo (Renault, Midas, etc.). Intenta transmitir entre otras cosas velocidad, impulsividad, agresividad y ha sustituido al rojo como color de la velocidad y deportividad.
Este color ha ocasionado un auténtico quebradero de cabeza para las aseguradoras: no saben si aumentar las pólizas de un automóvil de este color por ser más arriesgados al volante o, por el contrario, bajarlas por ser un color mucho más visible.
Por otro lado, la combinación junto al negro en la marca Midas intenta transmitir otro concepto: rapidez + seguridad + calidad. En el sector de la alimentación su uso no esta muy extendido ya que con las connotaciones de agresividad que lleva implícitas podemos verlo utilizado y reforzando este concepto en las botellas de lejía y amoniaco. Otro uso en la alimentación está relacionado con productos que llevan en la composición materias primas cuyo color original es el amarillo (aceite de girasol, refrescos de limón…).
Con la variedad cromática que se acerca a los tonos anaranjados se intenta transmitir el concepto de energía y calor. Es utilizado por marcas como GALP, Gas Natural y otras empresas de combustible.
_
Negro.
Su uso conlleva siempre connotaciones negativas: oscuridad, negatividad, muerte, sombrío… A pesar de estas características, lo cierto es que su uso está muy extendido y tiene otras cualidades positivas muy apreciadas: lujo, distinción, seriedad, elegancia y calidad.
Su uso tan extendido en el mundo del diseño lo ha convertido en un color neutro. Por tanto, para conseguir resultados de impacto, es necesario combinarlo con colores vibrantes o fuertes.
Hay marcas que utilizan el negro para dar a sus productos un aire de lujo y distinción : Tiffanys o L´orèal entre otros muchísimos ejemplos. Resultado de estas connotaciones tan antagónicas (negatividad, de una parte, lujo, por otra) es decidirse por un negro brillante o uno mate: el primero transmite glamour, el segundo tristeza.
Muchas veces, la negatividad atribuida al negro proviene, más que del color en sí, de las connotaciones culturales que ha ido adquiriendo en el lenguaje cotidiano (una persona gris, dinero negro, gato negro…). Esto puede estar detrás de un hecho curioso: a muchos productos que, por estrategia comercial o porque son negros de por sí, son de este color, se le pone el nombre en otro idioma, logrando un aire lujoso o glamouroso (Ausonia Black, por ejemplo).
_
Read MoreComo usuario habitual de metro siempre me ha fascinado el diseño de los mapas del mismo. Es una pena que el plano del metro de Madrid sea nefasto siendo imposible su utilización por la perdida de las diagonales. El nuevo diseño del mapa ya fue polémico cuando salió y este post no trata de eso. Sólo tengo que añadir que conservo un plano antiguo para cuando lo tengo que consultar.
Para los amantes de los mapas de metro como yo, aquí os dejo el enlace a un sencillo blog con todo tipo de información sobre estos mapas. Podréis encontrar mapas históricos, obras de arte, mapas ficticios…
http://transitmaps.tumblr.com
1. Plano oficial de Copenhagen S-Tog
2. Plano histórico del metro de Nueva York, 1966
3. Plano histórico del metro de Filadelfia, 1961
4. Plano histórico de Septa Filadelfia, 1979-1980
5. Campaña publicitaria de Sony Walkman
6. Mapa de carreteras de Estados Unidos como plano de metro
“Los doodles son los cambios divertidos, sorprendentes e incluso espontáneos que sufre el logo de Google cuando se celebran festivos, aniversarios y la vida de famosos precursores, artistas y científicos“.
Así define Google su particular forma de customizar su logotipo cada cierto tiempo para conmemorar sucesos que reflejen su personalidad.
La idea surge en 1998. Los fundadores de Google Larry Page y Sergey Brin, colocaron un monigote detrás de la segunda “o” de la palabra Google para comunicar que se encontraban “fuera de la oficina” debido a su asistencia al Burning Man Festival.
En el año 2000 le pidieron a Dennis Hwang un doodle para el Día de la Toma de la Bastilla. Tuvo tal aceptación, que fue nombrado doodler oficial de Google, aumentando así la regularidad de los diseños.
El principal concepto en el diseño eran las festividades más conocidas, pero con el paso de los años la temática abarca desde el aniversario del nacimiento de John James Audubon hasta el del helado sundae.
Debido a la gran demanda, hoy en día hay detrás de este proyecto un gran equipo de ilustradores y desarrolladores, que son los responsables de la creación de doodles. Regularmente se reune un grupo de empleados de Google para sugerir y decidir a qué sucesos se les dedicará un doodle.
Google abre sus puertas para que cualquiera pueda aportar ideas a traves de la dirección de correo proposals@google.com.
Para más información Doodles’ Google
Read MoreYa estamos en Navidades, época de regalos! A veces se hace un poco complicado encontrar algo original, algo distinto, útil, pero bonito. A continuación quiero proponer algunos sitios chulos de Madrid donde puedes encontrar una alternativa y la posibilidad de encontrar algo único y diferente.
TRÄ
En el barrio de Chueca, es un espacio diáfano decorado en madera y azulejo blanco que propone huir de la esclavitud de las tendencias de la moda, ofreciendo una selección de ropa basada en la sobriedad y atemporalidad, escogida principalmente entre los Paises Escandinavos, Bélgica, Alemania y Holanda.
Federica & Co
Un lugar único en el Barrio de Salamanca, ubicado en el patio interior de un edificio señorial en donde se encuentra este jardín que expone muebles restaurados, flores y plantas (algunas muy especiales). Está rodeado de otras tiendas, por ejemplo, Ma Petite Juliet (ropa de niños con mucho gusto), Mimoki (tocados muy especiales) o Sister Jane (marca de ropa londinense) y, durante estas fechas, el pop-up de Negocios Raros con los originales y divertidos objetos de diseño de ATYPYK, proyecto que desarrollan junto con Woz’ere
Tipos infames
Librería, cafetería y vinoteca, en pleno Malasaña. Un espacio donde comprar vinos de autor con un diseño original, sin que te cueste un dineral, o un buen libro (o las dos cosas, y te regalan una bolsa!).
Válgame Dios
También en chueca, es un restaurante en la parte de arriba, pero si bajáis una planta encontraréis un muestrario de ropa de algunas de las primeras firmas, complementos y bisutería a precios interesantes.
Peseta
Tienda de productos textiles en la calle Noviciado 9. Encontrareis bolsos, carteras, mantelería.. todo hecho por ellos, “productos bonitos por fuera y por dentro, en sentido real y figurado”.
A punto
Gracias a madridyyo.com descubrí hace poco A punto, librería gastronómica con una selección de recetarios y con un gran número de libros de importación que parece ser que sólo se encuentran aquí. También venden algunos utensilios especiales de cocina.
Do
Una tienda muy bonita al lado de Alonso Martínez, donde se puede encontrar una selección con mucho gusto de muebles y objetos de decoración, que tienen como característica principal un diseño bonito y funcional, orgánico y artesanal, que mezcla el toque rústico y tradicional con las últimas tendencias. También encontrarás moda y accesorios, revistas y publicaciones que puedes leer allí mismo mientras tomas un café.
Gloria
Librería y galería de arte en Alonso Martinez, donde encontraréis:
Los diseños de Mi Clo. (Camino López de Aguilar). Ilustraciones a tinta y acuarela, en una edición limitada. Vajilla, juegos de té y de café, cojines y piezas textiles modulares.
Además, Javier Peña produce, como resultado de la propuesta “Yo también me caso” , una reflexión en torno a la participación ciudadana sobre sus espacios de convivencia urbanos, esta serie de libretas, en concreto sobre el centro de la ciudad de Madrid.
Para comprar online, os recomendamos:
Los manteles y vajillas de Chichinabo Inc, proyecto de Patricia Lázaro y Miguel Lindo (compañero en el estudio hasta el pasado mes de noviembre y colaborador).
Estas navidades apoya a los pequeños empresarios. #1gift1dream
Read More[Gema Navarro, Directora de Arte en Erretres. The Strategical Design Company]
MARÍA VAN DEN EYNDE
Studio Manager
Hoy es el último día de nuestra directora de arte Gema Navarro. Ha estado en erretres casi desde los comienzos, cuando trabajábamos en un piso de la calle Atocha, encima de los baños árabes. Aquel erretres olía a cloro y a pegamento en espray y estábamos todos mucho más apretados.
Cuando empecé en erretres Gema ya llevaba un tiempo trabajando de diseñadora. Recuerdo que en mi primer mes tuvimos los cierres de cuatro grandes catálogos (Roma SPQR, Fábulas de Velázquez, Marín y Maestros modernos del dibujo) y recuerdo a Gema sin levantar la cabeza del ordenador, preparando artes finales de las piezas de Marín como una loca.
Y luego, corriendo, a por nuestro primer diseño de bolsa para Vinçon.
Al año siguiente crecimos un montón, yo me fui unos meses y cuando volví nos habíamos mudado a Moreno Nieto, que es donde estamos ahora. Nada que ver. Ahora ya no estamos tan apretados. Tampoco huele a cloro.
Matadores, catálogos de arte, festivales, logotipos… a Gema le da igual porque se mete en todos los jardines. Es la última que se marcha. Siempre le da otra vuelta más, por si se puede mejorar. Es un catálogo de libros con gafas. A saber si le caben todos en su casa nueva (si no, ya sabes). Pero sobre todo es una gran compañera. Para mí, además, ha llegado a ser una gran amiga. Una amiga que se marcha. Te voy a echar de menos.
PABLO SUÁREZ
Designer
Es una ocasión triste, pero me siento tremendamente afortunado.
Llegué al mundo del diseño relativamente tarde. Nos sentaron juntos cuando me incorporé al estudio. De vez en cuando se me escapaba la mirada hacia su pantalla. Me gustaba lo que miraba, los blogs que ojeaba, las imágenes que usaba, y la pulcritud con que ordenaba su escritorio. Compartir mesa con un diseñador como el que quieres llegar a ser ha sido una experiencia realmente excitante.
Diseño como forma de vida. No se resumirlo mejor.
Espero, para los que no la conozcáis, que tengáis la suerte de que se cruce en vuestros caminos.
Gracias Gema. Ha sido perfecto.
ANA RUIZ DE EGUINO
Accounting
Son las 9 de la mañana y Gema siempre aparece quitándose el abrigo antes de que le abra la puerta, con su flequillo característico revuelto por el aire del invierno y las gafas (de pasta negra) descolocadas como por el azar apunto de precipitarse cuando justo a tiempo deja su iPhone para poder poder colocárselas. Se sienta en su sitio, saca su crema del cajón y se pone coqueta mientras organiza sus papeles y sus libros (y piensa para si misma, ese lápiz no debería de estar ahí) enciende su Mac y empiezan 8 horas frenéticas de una mente creativa que sólo para un momento para comer.
Como diseñadora valoraría su pasión por el diseño, su inquietud por aprender, por conocer, por descubrir… eso es lo que le llevó hace un año a vivir la experiencia de poder trabajar en BASE NY, ya durante ese tiempo el vacío se noto, no había orden sobre su mesa, ni bocetos sobre el papel en lápiz, ni planillas estructuradas… Pero sabíamos que volvería con nosotros y su ausencia dolía menos. Hoy, es su último día en Erretres (que no con nosotros) y aunque en su sitio quede vacío, nos deja su espíritu impregnado en todas las cosas bonitas que nos ha dejado personal y profesionalmente.
Es un privilegio haber podido conocerla, haber podido disfrutar de su trabajo y su buen hacer y sé que con su persistencia y trabajo duro llegará muy lejos.
Gracias por todo y hasta pronto.
WIEBKE HARZER
Designer
Nuestra Gemita, mi Gemita, se va lejos de aquí, y mas cerca de los míos, hasta mi tierra!
Se van a enterar estos alemanes, que a su lado van a ver lo que significa ser organizada…
Desde mi primer día en Erretres, Gema ha estado allí, esperándome con los brazos abiertos.
He aprendido tantas cosas de ella, se puede decir que ha sido mi mentor, dejándome ver de cerca, lo que significa ser una diseñadora dedicada.
Con su pasión y ambición con que vive cada proyecto, he podido disfrutar a su lado muchas horas en el estudio – la voy a echar muchísimo de menos, como compañera y diseñadora, y mucho mas como amiga y persona! Gema te deseo lo mejor, bleib so wie du bist und bis ganz bald… Tschüss
CLARA CASSINELLO
Designer
Hace 2 años y medio que trabajo en Erretres, y pienso que ha sido una suerte haber podido trabajar todo este tiempo con Gema, ya no por su forma de ser, de la que podría decir muchisimas cosas buenas, sino por su manera de trabajar, por lo profesional que es, por la gran vocación que tiene por el diseño y cómo nos contagia esa pasión. He aprendido mucho de ella, y no puedo más que estarle agradecida.
Muchas gracias por todo. Te vamos a echar de menos!
ANA PATRICIA ECHEGOYEN BOSLAND
Product Manager
Cumplo ahora cuatro meses de trabajo en el estudio, intensos desde el principio, disfrutando enorme del equipo, cercano conmigo desde el primer día.
Como en casi todos los equipos de diseñadores en una agencia o estudio, hay diferentes perfiles. El de Gema Navarro, Directora de Arte, es el de ser la más creativa, la diseñadora que es diseñadora desde que se levanta hasta que se acuesta –creo que cuando duerme y sueña, sigue siéndolo, seguro.
Le apasiona su trabajo. Como exdiseñadora, como profesora de Dirección de Proyectos puedo decir que esa pasión es palpable con mucha diferencia en cada uno de los proyectos que observo ella ha conducido como diseñadora y como Directora de Arte.
Personalmente, tiendo mucho a apreciar a las personas apasionadas, casi obsesionadas si cabe, por su trabajo: sólo pasa cuando se dedica uno a lo que más le gusta. Suerte extraordinaria que tenemos algunos. [Qué bueno sacarle tanto partido a esa suerte, Gema.]
Han sido cuatro meses, sólo cuatro meses!, tiempo más que suficiente para tener a Gema Navarro en la órbita de los diseñadores cuyo trabajo sigo.
Gema sabe que le deseo todo lo mejor, los cambios son para mejor siempre.
28203 Bremen
Germany
Mis amigos lo saben: hago visitas. Después de las visitas, uno es siempre más amigo.
Encantada de que Gema me reciba. Germany es mi tercera patria, no conozco Bremen.
Seguro que alguno más en el estudio se apunta a la visita.
[Estoy muy feliz por ti.]
DANIEL BARRIOS
Art Director
Como ya habéis leído Gema abandona Erretres para emprender una nueva etapa de su vida en Alemania, espero que todo te vaya de fábula. Una vez dicho esto y para quitar hierro al asunto, os listo una serie de “manías” de nuestra apreciada directora de arte (sin acritud):
1- Gema se escribe con una m
2- El lápiz siempre duro, cuantas más “H” mejor
3- Los bocetos en la moleskine cuanto más pequeños mejor
4- La mesa siempre limpia y ordenada, nada de acumular cosas
5- Mi cubilete es mi cubilete
6- No sin mis gafas
7- El pelo no me lo corta nadie más que yo
8- Quiere poner un columpio y una vespa en el salón de su casa (al menos antes)
9- El escritorio del mac perfectamente reticulado
10- Si se puede mejorar, por qué no hacerlo
Por último, no dejéis de visitar su web personal, ahora está un poco abandonada por la carga de trabajo del estudio pero seguro que muy pronto la actualizará y todos la tendréis en vuestros favoritos www.gdegrafica.com
Glück
PABLO RUBIO ORDÁS
Founder and Creative Director
En el estudio llegan decenas de portfolios al mes. Gente que nos escribe desde todos los rincones del mundo porque quieren trabajar en Erretres. Hace unos seis años, necesitaba incorporar a nuestra tercera persona en el estudio, estuve hablando con el IED Madrid y me pasaron varios portfolios. Entreviste a tres personas y cuando me cité con Gema le dije en la misma entrevista que el puesto era suyo. Acerté de lleno.
Gema ha cumplido con creces desde el primer día, porque aunque estaba recién salida de la escuela ya traía de serie los dos principales ingredientes para ser un gran diseñador: una vocación enorme, que la motivaba para mejorar y aprender continuamente, y una fuerza de voluntad increíble. No creo en los diseñadores estrella o diseñadores de temporada, creo que esta es una profesión en la cuenta el largo plazo y Gema es una gran corredora de fondo.
Por mi posición como Director Creativo marco las pautas, el posicionamiento y el estilo de los proyectos que entran en el estudio. Lo mejor de Gema es que en muchas ocasiones no me ha hecho ningún caso. Y aunque varias veces la he regañado por ello, en la mayoría de las ocasiones se ha saltado el guión porque su trabajo es sólido y poderoso.
Seguro que la echaremos de menos, un montón, como profesional y como persona. Pero en la vida llega un momento en que uno tiene que ser dueño de todos tus pasos y ser la persona que lidere el camino. Gema esta de sobra preparada.
Una manera de valorar el éxito de las personas o empresas es analizar de que talento se rodean. Ferran Adrià no es sólo grande porque ha revolucionado el mundo de la cocina sino por la gran cantidad de cocineros de primera fila que han salido de ElBulli. Gema es una gran cocinera y espero que dentro de unos años podamos decir que en Erretres hemos formado a los mejores cocineros del planeta. Será la mejor recompensa a nuestro trabajo.
Read MoreA sus casi 70 años, Oliviero Toscani debe de estar disfrutando de lo lindo: la campaña del Grupo Benetton para su Unhate Foundation puede tomarse casi como un homenaje a su fructífera y polémica relación, matrimonial casi, con Benetton o, mejor dicho, con Luciano Benetton, su “Medici”. Como sucede en muchas de las relaciones “altamente tóxicas”, lograron hacer de su separación su mejor campaña –no me ha sido posible encontrar una sola imagen de ellos dos juntos, si alguno encontráis alguna, comentadlo o enviadla, por favor.
El Grupo Benetton, de motu proprio, se ha empeñado en volver a agitar los faldones del Vaticano y ha logrado incluso que Chaves, desde ese “su feudo con chándal” que ha hecho de la hermosísima Venezuela, se parta de risa con su imagen en la campaña “UNHATE” (primer proyecto de la Unhate Foundation), convencido de que el montaje de su beso con Obama responde a una conspiración interplanetaria para poner en entredicho su sobrada virilidad, en fin… Ni debe de saber quién es Laurent Chanez, ni Toscani –ni falta que parece que haga.
La campaña es de Fabrica & 72andSunny NL, de los Directores Creativos Erik Ravelo y Carlo Cavallone, respectivamente. Parte también de la inspiración y esta campaña, la pieza “Unhate” de Laurent Chanez.
http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=qImJFg5dgTE
La polémica generada por esta campaña puede seguirse en muchísimos foros y redes y se trata, en resumen, de lo obvio: que si qué falta de respeto a las autoridades, que si se trata de promover la paz en el mundo. Pero no ha dejado indiferente a nadie. Como sabíamos, el Vaticano iba a pedir la retirada del montaje de Su Santísima Majestad con el Jeque de la mezquita de Al-Azhar (Egipto). No hay que ser adivino para saber esto.
Podría ponerlas todas, se localizan fácilmente en la red, pero me quedo con el momento Merkel-Sarkozy –no llego a ver “transgresión” en este beso, la verdad, es de lo más “realista” diría yo…
Una de las imágenes de los polémicos besos de la campaña “UNHATE”
Nos recuerda a Toscani la campaña “UNHATE”? Hagamos un breve repaso por las imagénes de algunas de las campañas realizadas en los casi 20 años de trabajo para Benetton.
Os dejo aquí una de las entrevistas que he encontrado navegando. No me resisto a comentar más despacio la famosa campaña de los presos estadounidenses condenados a muerte. “A mí me habría gustado hacer esta campaña con los condenados en China, pero resulta que Estados Unidos es el único país donde se pueden hacer este tipo de fotos en el corredor de la muerte” dice y, no sé por qué, no llego a creerlo del todo. Todas aquellas campañas destilaban, por supuesto, el aroma sospechosamente claro de la “conciencia social” sobre temas irritantes, muy poco fotografiados. China, por aquel entonces (finales de los 90′s), no significaba en el mapa del mundo ni en el imaginario europeísta lo que sí que significaba (y dolía) la hegemonía estadounidense, tan práctica, activa, dominante frente a la señalada pasividad del viejo continente, relamidos como estamos de nuestra cultura de “centro del mundo”, ensimismados en nuestras filosofías y sistemas de pensamiento de contemplación y análisis del mundo… Pasivos. De qué hubiera servido para vender camisetas y sudaderas Benetton provocar a los chinos? La China era la remota “Made in China”, a la que en mis 90′s adolescentes se referían como “el durmiente monstruo amarillo”, o algo parecido –vaticinio sin duda de su emergente posición como gran líder de producción en masa capitalista, los abanderados de la economía “al por mayor”. Los chinos llevaban ya décadas despertando del adormecimiento “british way” del opio, mejor no recordárselo con una campaña sobre condenados a muerte al incoherente sistema comunista chino, en el que ya Benetton, como Apple, “ensamblaba” sus piezas. No cuela…
Del talento mejor o peor llevado de Toscani, salieron también la emblemática Colors y la muy renombrada escuela por creativos, diseñadores y fotógrafos Fabrica. Convencido como estaba hace ya años de la importancia de internet = medio de comunicación de “lo humano” = proyecto, algo social prevalece en todo ello: ya puede patalear el Vaticano y solicitar la retirada del beso de Su Santidad con El Jeque. Tarde ya… Quién no puede encontrar la imagen? A dónde conduce la censura? Al mismo lugar de siempre, particularmente humano: al deseo del objeto censurado. Hemos hecho de la red un gran contenedor de objetos censurados. Eso está muy bien, así podemos ver el beso del Papa…
La fotografía publicitaria ha conocido un hito. De eso no cabe la menor duda. Sida, anorexia, pieles blancas, negras, amarillas, condones de colores, un cura y una monja que se besan… Pero exactamente igual que se retrataban leprosos, seres endemoniados, enfermos terminales postrados esperando la muerte desde no podemos casi precisar los siglos que hace ya, tanto en imágenes profanas como religiosas. No conocemos los nombres propios de todos aquellos grabadores: eran personas de oficio, no de “Arte”. Sentirían ellos lo revolucionario de sus imágenes? Igual es que, ya entonces, eran mucho más modernos que nosotros: las contemporáneas “Piedades” que simbolizan el enfermo David Kirby o la modelo Isabelle Caro, aunque peque de moderna, no me resultan tan indignantes, y mucho menos escandalosas. Otra cosa bien distinta es que me gusten o me interesen…
Isabelle Caro por Toscani para la campaña de Nolita
Read More
¿Por qué cada año celebramos antes la Navidad? ¿Por qué tenemos que comer todos juntos en el peor momento del año? ¿Tenemos que diseñar una felicitación navideña para el estudio? A los clientes, ¿les enviamos algo o está mal visto?
No es que odie la Navidad, en el fondo me gusta un poco, pero sí que es cierto que todos los años me hago las mismas preguntas. Supongo que no soy el único. Al final, como todos los años, acabo accediendo a realizar casi todas las ceremonias. Pero, si hay un cliente que nos encarga que hagamos su felicitación navideña, no es que me alegre. El 1 de septiembre leí un tweet de un diseñador al que ese mismo día le habían realizado el dichoso encargo. Pensé que, sin duda, era la manera más cruel de recordarle que sus vacaciones de verano habían acabado.
Recuerdo que hace años, en un antiguo trabajo, estábamos recibiendo tarjetas navideñas impresas a lo largo de tres semanas. Las colocábamos en una mesa según iban llegando. Troqueles caprichosos, plegados imposibles, barnices UVI, tipografía Comic Sans y frases casposas… Ahora es peor porque todo esto lo tienes que hacer digital y enviar en una newsletter que no soporta más que código html del más primitivo.
La primera felicitación que hicimos en Erretres era tan basta que sólo nos atrevimos a enviarla a los amigos. La del año siguiente fue, como me dijo un cliente que sigue trabajando con nosotros, una mamarrachada. También hemos hecho una colección de chapas para estrenar la máquina que compramos, eso fue en el 2008. Desde el 2009, nuestra “línea editorial” ha estado basada en la idea de reflejar de una manera gráfica los procesos y el paso del tiempo. En el 2010 realizamos un gráfico de tarta que era una estadística del porcentaje de tiempo utilizado en cada programa de software (fue el año en que empecé a utilizar casi más el Excel y el Mail que el InDesign) y el año pasado hicimos un gráfico que representaba las teclas más pulsadas en nuestros teclados.
Como ya no nos atrevemos a hacer predicciones de como será el próximo año, tampoco las haremos sobre nuestra felicitación. Lo único que os puedo garantizar es que lo haremos en el último momento y nos divertiremos.
Por cierto, este post está ilustrado por algunas de las felicitaciones que hemos hecho otros años. Felices fiestas a todos.
Pablo Rubio Ordás
Fundador y Director creativo de Erretres
Read More
El pasado viernes estuvimos en el arranque de la revista Matador, volumen Ñ, en tf. Artes gráficas. Este volumen está dedicado a Ferran Adrià y, como todos los años, el cierre de la revista se ha ido complicando según se aproximaba la fecha de entrada en imprenta.
A continuación os mostramos una serie de fotografías que realizamos en tf, y aprovechamos para explicar brevemente en qué ha consistido el trabajo de impresión. En este volumen de Matador se imprimen nada más y nada menos que siete tintas más barniz (cuatricromía, negro para textos, rojo fluorescente y azul 072), de manera que se ha utilizado para su producción la máquina de diez cuerpos que tiene la imprenta.
En las primeras fotos, más abajo, una plancha (lámina hecha de una aleación flexible de aluminio que lleva la información del documento a imprimir) con uno de los pliegos de la revista. El formato de la publicación es tan grande que sólo caben cuatro páginas por plancha. Cada plancha lleva la información correspondiente a cada uno de los colores o barniz de un pliego, por lo tanto para este trabajo había ocho planchas por cada cuatro páginas, 16 por pliego. Las planchas se montan en el rodillo que tiene cada uno de los cuerpos de la máquina. En cada cuerpo se unta la tinta o el barniz correspondiente a la plancha.
Los pliegos de papel se cargan en la parte posterior de la máquina; en las fotos hay dos detalles de cómo cada pliego es enganchado y movido hacia el interior de la máquina. Cuando la máquina arranca los niveles de tinta, obviamente, no son los deseados; así que se imprimen pliegos de papel ya usados, llamados maculatura; es lo que se conoce como “manchar papel”: los maquinistas van comprobando que no haya problemas de desajuste y que aparece toda la información que estaba en el ferro y, por tanto, en el documento.
Cuando los niveles de tinta son los adecuados y se ha comprobado que el pliego está correcto, se cambia el papel por el elegido para la publicación (en el caso de este Matador, por ejemplo, se han utilizado tres papeles distintos: Hello Silk, Conqueror Wove Pearl y Rives Design White).
Entonces comienza el trabajo “fino” de ajuste de color, en el que el jefe de máquinas, el imprentero, el diseñador y el editor (en realidad no suele haber tanta gente ”a pie de máquina”, pero en el caso de Matador o de publicaciones de arte es frecuente que, al menos, se junten tres o cuatro personas para el arranque de la tirada, ver un par de pliegos importantes y la cubierta); miran el pliego al milímetro y se coteja con las pruebas de color.
En una de las últimas imágenes podéis ver cómo escudriñan un pliego, de izquierda a derecha: Carlos Elósegui (tf.Artes gráficas), Paloma Castellanos (La Fábrica), Gema Navarro (Erretres) y Alberto Reventun (tf. Artes gráficas). Cuando el pliego está correcto de color, se guardan los ajustes en la consola de la máquina y se tira el pliego entero, es decir, todas las hojas de ese pliego necesarias hasta completar la cantidad total de la tirada.
Por último, el papel se deja secar en palés antes de ser encuadernado y cortado… Pero ésa es otra historia.
Texto: María Van den Eynde
Fotos: Clara Cassinello
Montaje: Pablo Suárez
Read MoreEn muchas ocasiones llegan a nuestras manos piezas gráficas impresas con una calidad deficiente
o con fallos que detectamos con facilidad. Por este motivo, a continuación se recogen una muestra de ellos, con la explicación correspondiente sobre por qué se ocasionan y cómo se pueden evitar.
Por los cambios de producción y de procesos de los últimos años en el sector de las Artes Gráficas
y los avances técnicos, formativos y mecánicos, algunos errores son, hoy en día, muy díficiles de encontrar.
Estos fallos pueden darse en alguna de las distintas fases por las que una publicación o pieza gráfica pasa antes de llegar a nuestras manos: pueden estar ocasionados por un error del impresor, de la máquina de impresión, la rapidez de ejecución del trabajo o, en ocasiones, por errores previos encadenados ya desde el principio del proceso (en la fase de Preimpresión).
Con un mayor control del estado y calidad en cada una de las distintas fases, muchos de estos fallos bien podrían evitarse, de modo que el producto final reuniría las condiciones óptimas
de calidad.
Éstos son algunos de ellos:
1. Arrastre de rodillo. Son las marcas de suciedad que se fijan en el impreso por el paso
del rodillo sobre los pliegos, provocando una mancha continua –muy común en las
máquinas rotativas.
2. Transparencia. Este efecto puede estar causado por:
- Exceso de tinta que traspasa el papel por tener una gran opacidad.
- El papel es muy fino (poco gramaje) y no absorbe bien la tinta.
3. Emulsión. Son las marcas o manchas que se producen por un excesivo tiempo de exposición o, por el contrario, un deficiente tiempo de exposición.
4. Velo. Son las marcas que se producen en el impreso de Offset por un exceso de agua
en la impresión.
5. Donuts. Son las marcas de forma redondeada (similar a un “Donut”), producidas porque la plancha está sucia.
6. Mal registro. Provoca un efecto borroso ya que los colores no se sitúan dónde deberían.
Para comprobar si el registro es correcto debemos comprobar que las cruces de registro están
bien centradas.
7. Repintado. Se puede producir por un exceso de tinta o por un mal secado y tiene como consecuencia que la tinta se traspase por el contacto directo con otra superficie.
8. Arrugas. Se producen en el impreso por un exceso de humedad en las tintas o por tensar mal el pliego en la entrada a máquina cuando las pinzas lo reciben.
9. Falta de tinta. Está producida por una deficiente presión de los rodillos, porque esta presión está mal distribuida o porque el soporte o los tratamientos de éste no son los más indicados y no absorben la tinta (por ejemplo: acabados plastificados).
10. Doble impresión. Se produce cuando se repite la impresión.
11. Mal guillotinado. Es un error producido por colocar mal los pliegos en la máquina de guillotinado.
12. Engrasado o exceso de tinta. Es la mancha que se provoca cuando hay un exceso de tinta
y cuando la impresión se realiza por presión.
13. Manchas y/o polvo. Se produce por la suciedad acumulada en la plancha o película
(polvo, huellas, pelos) que se traspasa al impreso, también por restos de tinta.
14. Fibras. Se visualiza la fibra por la que esta compuesta el papel, no permitiendo visualizar la masa de color uniforme.
15. Mala entrada del pliego a máquina. Provoca no se realice bien la impresión y se queden partes del impreso sin entintar.
16. Arrancado. Se produce cuando el papel no resiste la fricción del rodillo y no coge la tinta.
17. Efecto Muaré. Es un efecto parecido al que se produce al ver a alguien en la pantalla del televisor con una prenda con rayas: provoca una sensación de movimiento.
18. Otros errores. Principalmente ocasionado en el proceso de preimpresión: imágenes pixeladas por una inadecuada resolución, contornos recortados sin precisión, falta de tratamiento del color de imágenes, etc.
Read MoreTitle Scream es una pequeña web que recopila pantallas de inicio de videojuegos de 8 y 16 bits. Os aconsejo que echéis un vistazo a las maravillas que se hacían con una tecnología tan precaria. Al entrar en la web vienen a mi memoria las monedas de cinco duros, el olor a tiza de billar y la figura irrepetible del dueño de los recre con su riñonera llena de monedas de 25 ¡que nostalgia!
Aquí os dejo unos ejemplos de cómo eran las cosas en aquellos maravillosos años
Read MoreMi post de hoy trata sobre fotógrafos que hacen la misma foto. Obviamente no es la misma foto pero todos estos artistas se han sentido atraídos por el mismo conjunto de rectas, curvas y perspectiva en algún momento de sus vidas. Se trata de una foto que personalmente me parece muy sugestiva, sobre todo en sus interpretaciones más misteriosas, pero tal vez, de tanto verla, puede parecer que ha perdido parte de su encanto.
Ésta es una breve selección de fotógrafos. Hay alguno más que ha hecho esta foto, y en Getty o en otros bancos de imágenes se puede localizar: basta escribir “puente”.
Read MoreAntes de profundizar en el tema, hay que definir el concepto de “Economía Creativa”, ya que es reciente y, sobre todo, confuso por su amplitud y alcance. Cuando hablamos de Economía Creativa nos referimos a todos aquellos sectores y actividades emergentes que están surgiendo en las economías basadas en el sector servicios y la innovación permanente. La Economía Creativa abarca sectores y procesos que tienen como eje central la creatividad: un ejemplo es el sector cultural, ya que genera en el ámbito local y distribuye en el ámbito global bienes y servicios con valor simbólico y económico.
Así pues, podemos señalar que la Economía Creativa interviene visiblemente en el contexto de la la cultura, ya que genera servicios y productos que promueven y orientan el desarrollo político y social. Por tanto, su importancia e influencia se hace cada día más patente en los aspectos económicos y financieros de la sociedad.
Dentro del sector de la cultura, podemos diferenciar distintas áreas de actividad: el patrimonio histórico, áreas plásticas, danza, teatro, música, artes del espectáculo, los medios de comunicación (publicaciones periódicas, televisión abierta y de pago), radio y las artes audiovisuales. Es decir, la cultura se “profesionaliza”.
Los aspectos recogidos anteriormente se reflejan en el informe elaborado por la Conferencia de las Naciones Unidas sobre Comercio y Desarrollo (UNCTAD), titulado Creative Economy Report 2008. The challenge of assessing the creative economy towards informed policy-making. Dicho informa indica que “[…] el concepto de «economía creativa» es un tópico en evolución que está ganando terreno en el pensamiento contemporáneo sobre el desarrollo económico. Implica un desplazamiento fuera de los modelos convencionales y hacia un modelo multidisciplinar que abarca la interfaz entre economía, cultura y tecnología, focalizado en la predominancia de los servicios y del contenido creativo. Dada su estructura multidisciplinar, la economía creativa ofrece una opción factible de ser incorporada en las estrategias de desarrollo de países en vías de desarrollo, particularmente cuando dichas estrategias se focalizan en la obtención de resultados. Constituye un llamado a la adopción de mecanismos efectivos y multisectoriales, además de innovadoras políticas de acción interministeriales […]”.
Clasificación de las Industrias Creativas (UNCTAD)
Según la UNCTAD, éstas son las principales características de la Economía Creativa:
1. Es un concepto que evoluciona sobre la base de los activos potencialmente creativos para generar crecimiento económico y desarrollo.
2. Puede fomentar la generación de ingresos y específicos de exportación, creación de empleo, además de fomentar la inclusión social, la diversidad cultural y el desarrollo humano.
3. Abarca aspectos económicos, culturales y sociales que interactúan con la tecnología y los objetivos turísticos.
4. Se trata de un conjunto de actividades basadas en el conocimiento que estable vínculos en los niveles macro y micro de la Economía en general –por lo tanto, con una dimensión de desarrollo.
5. Es parte de una vocación innovadora, opción de desarrollo para las respuestas multidisciplinares sobre políticas y acciones interministeriales.
6. El corazón de la Economía Creativa son las Industrias Creativas.
Por este hecho, la Economía Creativa se convierte en el emblema de un nuevo ciclo económico y una salida a la crisis, que surge como respuesta a problemas globales renitentes. Motiva y fundamenta nuevos modelos de negocios, procesos organizativos e institucionales, además de relaciones entre los agentes económicos y sociales. En este nuevo paradigma, que incluye a la cultura en su esencia y a la tecnología como un medio propulsor, la organización de los mercados en redes, las alianzas entre los agentes sociales y económicos, la prevalencia de aspectos intangibles de la producción, el uso de las nuevas tecnologías para la producción, distribución y/o acceso a los bienes y servicios, incluso la unicidad de la producción, fuertemente anclada en la singularidad, son rasgos característicos de este modelo –que tiene como supuesto de sostenibilidad la mejora del bienestar y la inclusión socioeconómica.
Industrias Creativas en el contexto cultural
Como conclusión, podemos destacar que parece que una parte cada vez mayor del futuro de las economías avanzadas se va a sustentar en la generación y promoción de las Industrias Creativas.
Read MoreLlevaba tiempo pensando que quería hablar de los proyectos de mis amigos. Que para eso lo son. Y no encontré mejor manera de empezar que con un pequeño gran proyecto: Tipo e Editorial.
Tipo e son Manuel Sesma y Elena Veguillas.
Quedo con Manuel un viernes por la tarde en un local de Malasaña. De esos donde no te oyes a ti mismo. Yo llego tarde. Él, como casi siempre, ya está con su libro.
¿Qué es Tipo e y cómo surge?
Tipo e Editorial es la suma de nuestra experiencia en el mundo editorial, en la edición y en la tipografía. Surge en medio de alguna conversación en el Congreso de Tipografía de Valencia (CTV) del 2008, cuando nos damos cuenta de la carencia de textos originales sobre tipografía en castellano. Se nos ocurrió así, recoger textos escritos en castellano (no traducidos) que hablaran de tipografía latina, porque somos lectores antes que editores.
¿Alrededor de tipografías creadas en entornos de habla hispana?
Sí, pensamos que debíamos explorar también la amplia producción latinoamericana. En España estamos muy limitados a Cataluña, pero en Centroamérica y Sudamérica, la vocación tipográfica es enorme. Cada vez más. Básicamente queremos hacer de puente entre ambas localizaciones. Hemos descubierto que tienen muchas cosas en común con nosotros, y que además tienen mucho que enseñarnos, en cantidad, calidad y reflexión.
No descartamos mirar en algún momento hacia Portugal o Brasil, pero la diferencia en el idioma es, de momento, una barrera importante.
¿Referentes en el mundo editorial?
Hyphen Press es nuestra referencia en cuanto a línea editorial de contenidos y pensamiento, así como de calidad y cuidado del objeto impreso. Aún así, hemos querido distanciarnos y buscar un hueco diferente, el de los libros sobre teoría y práctica de la tipografía dirigidos a tipógrafos, diseñadores y sobre todo estudiantes de ambas disciplinas, siempre dentro del contexto lingüístico y cultural hispano-parlante.
Nuestra otra referencia son obviamente nuestros amigos de Campgràfic, pero a ellos les dejamos la encomiable labor de las traducciones, necesarias, al español.
¿Cuál es el origen del título para la editorial?
Viene de la caja de tipografía española. No tiene nada que ver con la “e” de España o “española”. El cajetín de la letra e es el más grande porque es la letra más utilizada en cualquier tipografía latina.
¿y el logotipo?
Queríamos un logotipo a modo de «escritura tipográfica», que hablase de tipografía y que al mismo tiempo comunicara la parte humana de una editorial pequeña en la que dos personas hacen todo el trabajo. Es de Aoife Mooney, diseñadora y calígrafa irlandesa, compañera de Elena en el MA de Reading, y que ahora trabaja para Hoefler & Frere-Jones. Aoife realizó varios bocetos hasta que dio con el que sentíamos que mejor representaba a Tipo e.
Háblame del primer libro: Tipo elige tipo.
La primera cuestión que nos planteamos fue dilucidar quién debía de escribir los libros, si nosotros o expertos externos. Nos decantamos inmediatamente por la opción de recurrir a expertos que saben más que nosotros.
Así, Tipo elige tipo surge como un cortometraje, donde pides la colaboración de amigos y conocidos para tu primera creación y en la que todo el mundo sabe que no va a cobrar un duro porque, con casi total seguridad, no se obtendrán beneficios. El primer libro se plantea entonces como un riesgo, donde pedimos ayuda a conocidos, que colaboran desinteresadamente.
Tratamos de elegir a aquellos que pueden escribir, dentro del amplísimo campo de la tipografía, según tres criterios: uno, tipógrafos con al menos una tipografía en el mercado; dos, diseñadores gráficos especializados en tipografía y tres, docentes e investigadores especializados en tipografía. Nuestra premisa era que se cumplieran al menos dos de las tres condiciones.
Una vez hecha la selección y el contacto, pensamos en solicitarles opiniones prácticas para elegir entre una u otra fuente, de ahí el título del libro. Que nos explicasen cómo y por qué cada autor, de manera absolutamente libre y personal, se enfrenta a elecciones tipográficas concretas. No se trataba de hablar de una tipo favorita o la más querida, porque lo que realmente nos interesaba era el tema práctico, que quien leyera el libro pudiera aprender de dicho proceso.
¿Cómo surge la colaboración con Marina Garone para el prólogo?
Pues la conocimos en el CTV y rápidamente se interesó por el proyecto. Queríamos una intro potente. Para nosotros es como la Raquel Pelta latinoamericana. Desde entonces colabora desinteresadamente con Tipo e como asesora editorial.
¿Cúal es la tipografía del libro?
Es la Karmina, una tipografía latina diseñada por Veronika Burian y José Scaglione. Es la recomendada en el libro por el argentino Miguel Catopodis, y está disponible en Opentype en el sitio de TypeTogether.
Cumplía además con todos los requisitos que necesitábamos: ser económica para textos corridos, legible en cuerpos pequeños y simbólica de esa profesionalidad de la tipografía latina actual.
De momento nos funciona muy bien y vamos a volver a utilizarla en el segundo libro, aunque no queremos considerarla como nuestra tipografía “corporativa”.
¿Con qué tipografía te quedas de las que aparecen en Tipo elige tipo?
La verdad es que algunas han sido todo un descubrimiento. Quizá Tasman, que propone el colombiano César Puertas, o Plasma, diseñada por el mexicano David Kimura y que recomienda Pablo Cosgaya. Ambas me parecen muy interesantes por surgir de un contexto específicamente latino, pero a la vez son muy universales.
¿Cómo os enfrentasteis a la distribución?
Pues la verdad es que la hacemos nosotros mismos y es on line en un 80%, porque era lo único que nos cuadraba haciendo cuentas. Ahora está llegando a algunas librerías de Madrid, Valencia y Barcelona.
Tenemos pendiente que en algún momento llegue también a las de Latinoamérica, pero como las condiciones de distribución son muy complicadas, de momento lo solventamos realizando nosotros envíos personalizados.
Y ya está en la calle la segunda edición.
Sí, tiramos 500 ejemplares de la primera en Martín Impresores, en Valencia y pensando que iba a quedarse en nada. Y sin embargo fue un éxito, se agotó en menos de 6 meses. Nos pilló tan de sorpresa que no teníamos prevista una segunda edición.
En la primera edición cometimos muchos errores de editores independientes principiantes y hubo cuestiones que fuimos incapaces de solventar. Una de esas cuestiones, por ejemplo es que uno de los textos no llegó a tiempo para cumplir con los plazos de la imprenta. Pudimos darle la vuelta a ese factor negativo: el autor nos dio permiso para cargar su texto en nuestra página web y ofrecerlo en libre descarga; además, pudimos incluirlo en la segunda edición, que por tanto fue una segunda edición corregida auténtica y no una simple reimpresión, con lo que aprovechamos para corregir los fallos detectados en la primera.
¿Y la comunicación de la editorial?
Al principio el clásico boca a boca, a través de nuestros contactos personales y profesionales. Después presentamos el libro en la CTV del 2010, lo que nos vino muy bien. Asistimos como ponentes en la Typoweek de este año, el perfil de Facebook funciona muy bien, etc.
Estáis trabajando en Cómo crear tipografías, la segunda publicación, verdad?
Sí, está en pleno proceso de creación y producción y en un principio se llamará así, Cómo crear tipografías, del boceto a la pantalla.
Contamos con autores que esta vez cobrarán sus debidos derechos de autoría: Laura Meseguer (España), Cristóbal Henestrosa (Mexico) y José Scaglione (Argentina).
Estos tres autores, tipógrafos, diseñadores y docentes, cumplen con nuestro ideal de autor y configuran un triángulo perfecto, no solo geográfico. Cada uno representa además una manera de aprender y hacer tipografía, pues han recibido además formaciones muy distintas: Laura la holandesa, una teoría más humanista, «europea»; José la de Reading, una teoría más racionalista, más dogmática y sistemática, «internacional»; y Cristóbal la mexicana, la más particular de las tres por su carácter mestizo, nutriéndose de varias escuelas europeas y norteamericanas, de carácter más inmediata y pragmática, «latinoamericana». La suma de estas tres visiones creemos que es lo que va a hacer de este libro un libro diferente.
Está hecho con el mismo espíritu didáctico que el primero: enseñar paso a paso cómo crear una tipografía, el dibujo, los trazos, la vectorización básica, crear las fuentes en el programa tipográfico que corresponda, aplicar los tecnicismos necesarios y finalizar la fuente, en dos sentidos: crear los archivos finales y saber qué hacer con ellos, cómo distribuirla, comercializarla o qué tipo de licencia atribuir a esa fuente.
¿Cuándo tenéis previsto presentarlo?
Como siempre, cuanto antes, pero ya sabes los plazos. En enero o febrero de 2012 a ser posible.
¿Proyectos de futuro?
Muchos y muy variados. Pero que no podemos contar nada. De momento.
Después de algunas horas de conversación tipográfica consigo no oir a nadie más en el bar y sentirme satisfecha de que siga habiendo gente que se apasione con proyectos como este. Con proyectos que nos permiten disfrutar y seguir aprendiendo. Qué bien.
—
Tipo e Editorial
www.tipo-e.com
—
Manuel Sesma ha impartido clases en diversos centros relacionados con las artes visuales como el IED de Madrid. En la actualidad es profesor en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Es además editor externo de Gustavo Gili, autor del libro Tipografismo (ed. Paidós), articulista e investigador en temas relacionados con la tipografía contemporánea. También ha colaborado en proyectos como Archetypes.es y es asesor tipográfico ocasional.
Elena ha sido editora y co-fundadora de la revista de tipografía Iconographic Magazine y coordinadora de producción de la revista sobre diseño y arquitectura Experimenta. Acaba de presentar su proyecto final de investigación en el Master de Teoría de la Tipografía y la Comunicación Gráfica de la Universidad de Reading, y participa en los blogs Graffica.info y Unos tipos duros en la sección ‘Las crónicas de Reading’.
Read More[Serie titulada #notonlydesignbutthegirl sobre diseñadores de Moda]
1# Vivienne Westwood | Por ver si alguien pudiera fastidiarle los planes al sistema de alguna manera…
Es muy reciente en el tiempo, apenas cinco décadas, el hecho de que la Moda se vincule frívolamente al lujo, al exceso, a la extravagancia… A través de lo que sí que son productos propios del s.XX: estrellas del celuloide, top models, músicos convertidos en gurús y padres espirituales, deportistas de élite transformados en modelos de las líneas de venta masivas de exclusivas firmas dirigidas al gran público.
La Moda, ese déspota trono dorado desde el que se dicta qué es bello y qué no lo es, qué es cool y qué no, cuál es el último It.
Éste es el precio de cualquier sector del mercado y de la producción industrial que firma el incondicional pacto con el diablo: la cultura del consumo (lo que Vivienne Westwood denomina “drug of consumerism”). Dicho esto, separemos, por tanto: la industria de la moda, el mundo de la moda y el diseño de moda.
Si tratamos de imaginar sintéticamente el globo terráqueo y le vamos añadiendo objetos de moda aquí y allá, podemos detectar de inmediato en qué continentes se manifiesta o no la importancia y presencia de estos objetos. Si podemos concentrarnos un poco más, casi podemos hacer un recorrido gráfico y simbólico de objetos concretos sobre algunos de los países… Sí, el desarrollo del diseño de moda se concentra en el primer mundo; la producción industrial masiva de la moda, en el tercero. En el segundo mundo, se combinan incipientemente ambos, a medio camino entre crecer hacia la producción masiva o quedarse en la producción local, más artesana, cercana a la idea, diseño y producción de lo que se considera lujo y exclusividad de vanguardia y de tendencia en el primer mundo.
Esta serie de post que he titulado #notonlydesignbutthegirl quiere centrarse en el diseño de moda para señalar la importancia que tiene a la hora de analizar la historia, cultura, sociedad de una época –siendo como es una de las especialidades de mayor divulgación e influencia social de las muchas otras dentro del Diseño. Se trata de uno de los mayores y mejores expositores de aquello que sucede en un tiempo determinado: qué se considera “género” y cómo, estado económico de un país y su cultura, diferencias económicas entre clases y diferencias, por tanto, sociales; la relación con otros ámbitos de la cultura y folklore de un continente, país, región… Relación e influencias entre unas y otras, nuevos materiales para incorporar al diseño de distintas prendas y objetos, prodecentes de descubrimientos y revoluciones industriales cuyo fin era otro bien distinto…
Los objetos con los que nos vestimos son parte importante de la exposición de nuestro “yo” ante un primer y simple golpe de vista. Pero esto no es moderno, esto fue siempre así. De lo que no tenemos constancia previa es del masivo furor de consumo de objetos de moda en ningún tiempo anterior –de ahí que hayamos relacionado este hecho más arriba con la cultura del consumo. La más global de todas las culturas. El acceso “democratizado” a objetos “de lujo” que facilita y anima una producción masiva de objetos de culto –no siempre de lujo, por mucho que así se formalicen en el mercado.
-
Me desvinculo por completo de juicios y prejuicios, de la industria y producción de moda y del mundo de la moda. Observo solamente “el diseño de Moda”. Opto por reseñar a algunos de los diseñadores cuyo trabajo me parece muy interesante, ya que constatan una época, un tiempo, un tipo de persona que lo habita.
Empiezo la serie #notonlydesignbutthegirl con una de mis favoritas, Vivienne Westwood.
[Retrato de Vivienne Westwood]
La diseñadora británica ha conservado el apellido de su primer matrimonio con Derek Westwood (21.jul.1962). Para aquella ceremonia diseñó y cosió su propio vestido de novia.
Este primer matrimonio responde muy bien a la trayectoria vital más o menos común, aquella a la que las “buenas” chicas procedentes de la clase proletaria tenían que aspirar. Vivienne Isabel Swire había nacido en 1941, en el seno de una familia humilde. Su preferencia por el arte y el trabajo artesano fue precoz. A los 17 años se traslada con su madre a Harrow, pero apenas llega a aguantar el primer trimestre en la Harrow School of Art. No encontró su sitio como working-class girl en el “elevado” mundo del arte. Era, en realidad, una “deeply practical-class girl”: no era su sitio, sencillamente, y no perdió más tiempo en comprobarlo. Buscó un trabajo y se tituló en lo que hoy denominaríamos Ciencias de la Educación. De hecho, fue maestra y a ello se dedicó hasta 1971. Pero ya en el 71 habían pasado muchas cosas. Por una parte, siempre había mantenido una línea de joyería propia que vendía en un puestito en Portobello Road, hecho que constata su férrea voluntad de no dejar el diseño y mantener su independencia con respecto al sistema convencional. Por otra, y determinante en la vida de Vivienne, conoce a Malcolm McLaren.
En el momento en que las bandas punk rock eran la vanguardia (un movimiento que, después, se enmarcaría en el Situacionismo), la Sra. Westwood encuentra la horma de su zapato: McLaren sería en breve manager de una de las bandas de mayor influencia, los Sex Pistols. Deja al Sr. Westwood, cambia de barrio y empieza a ser la diseñadora de referencia de este movimiento. Es en el 71 cuando abre su primera tienda: 430 King’s Road se convierte en el espacio-referencia de Chelsea, la calle de mayor peregrinaje para la generación punk.
Esta primera tienda (en la que trabajó, por cierto, la también venerada hoy Chrissie Hynde, vocalista y compositora de Pretenders –aunque no haga falta aclararlo) se llamó inicialmente “Let It Rock”, pero cambió de nombre varias veces, incluso los simultaneó: “Sex”, “Too Fast To Live Too Young To Die” o “Seditionaries” (curioso término, “inventado”, cuya traducción al castellano sólo puedo hacer como “Insurrectores”, no “Insurrectos”, ya que tendría que ser “Seditious”). En este momento, hasta 1985, firma con la etiqueta “Worlds Ends”, su primera marca.
[Retrato de Chrissie Hynde]
Los elementos iniciales de inspiración y trabajo de Westwood son los que todos tenemos en la retina como propios de la estética punk: collares de perro con pinchos, esposas, tachuelas, cuchillas de afeitar, cadenas de inodoros o de bicicletas. Propio de esta diseñadora es la reinterpretación de la clásica vestimenta escocesa, reutilizando sus valores y tejido típico, el tartan fabric. Todo aquello que fuera irreverente y procovara la irreverencia. El outrageous look. Transgredía absolutamente los cánones de lo bello, de lo correcto, de lo mesurado, del concepto clásico de la elegancia. Respondía, como ella misma diría, a un tratar de tocarle las narices al sistema: “I was messianic about punk, seeing if one could put a spoke in the system in some way”.
En la pasarela desde 1981 y como “Vivienne Westwood Line” desde 1985, sus colecciones se han inspirado en el mundo de los piratas, lo salvaje, las Buffalo Girls, Clint Eastwood… Sus más recientes procesos creativos han sido denominados “Anglomania” (1993/99) y “Exploration” (2000/presente).

[Imágenes de varios desfiles de algunas colecciones de Vivianne Westwood]
Su activismo e implicación política son muy comentados en el mundo de la moda. La inicial postura punk de provocación y rebeldía a las normas del sistema y los encorsetamientos estéticos han devenido en un militarismo contra la cultura del consumo y, como otras personalidades del mundo de la cultura, del arte y del diseño, a favor de la concienciación de las consecuencias globales del cambio climático. Mantiene unos valores vitales y prácticas habituales en su vida privada y pública que tienden a la producción sostenible (en sus propias tiendas y colecciones), vigilancia del consumo y del reciclaje.
[Retrato de Juergen Teller]
De su faceta más provocadora, recordar aquí su portada para el Tatler, caracterizada como la entonces Primera Ministra Margaret Thatcher (os dejamos este link, que anticipa precisamente la próxima It Girl del 2012 –un guiño), que enfureció a la susodicha Primera Ministra tras haber dado, incluso, su visto bueno al supuesto “homenaje”. Ha sido considerada por The Guardian una de las mejores portadas de las publicaciones británicas.
[Portada de Tatler, Abril 1989]
En Enero de 2011, ha sido presentado el documental “Vivienne Westwood’s London”, producido por un canal canadiense. En él se recorre el Londres favorito de la diseñadora, que muestra con absoluta sinceridad “her love of high culture and to impress its importance on the current generation”. Resumen de lo dicho y de su propio testimonio: “I love this city and its culture. I want to encourage people to love art and believe that culture can save the world. Culture is about people’s outlook on the world and along with art, is the anchor that holds us together as a people and gives life greater meaning”.
Vivienne Westwood tiene dos hijos: Ben Westwood, hijo de su primer matrimonio, reconocido fotógrafo erótico, y Joseph Corré, fruto de su larga e intensa relación con Malcolm McLaren, fundador de la firma de lencería Agent Provocateur. En la actualidad, comparte su vida con Andreas Kronthaler, dedica mucho tiempo a la jardinería y se jacta de no ver la televisión, ni leer prensa ni magazines.
[Vivienne Westwood MAN. Posa para esta publicidad con su pareja, Andreas Kronthaler]
Read MoreEl escaparate de una tienda es la primera herramienta de comunicación con el cliente y, además, el instrumento más habitual para publicitar un establecimiento en un entorno urbano. Antiguamente tenía una función más expositiva, en la que se mostraba todo el producto. Ahora, sin embargo, empieza a servir para reflejar más el espíritu de la marca, no tanto para mostrar únicamente los productos que una firma vende.
Muchas de las firmas más relevantes del mundo están apostando por hacer colaboraciones con artistas de todos los ámbitos como reclamo visual para sus escaparates. Lo que han conseguido es que estos escaparates espectaculares sean auténticas obras de arte que no dejan indiferente al público que pasa por delante.
A continuación dejo algunos ejemplos de grandes firmas que han colaborado con artistas en el diseño de sus escaparates.
Olafur Eliasson
Artista danés. Su obra explora la relación entre tecnología y naturaleza. En ocasiones, elementos como el olor, la temperatura o el aire se mezclan con sus esculturas.
Conocido por sus instalaciones de luz, para el escaparate de Louis Vuitton diseñó una lámpara gigante. La obra se titula Eye see you.
Louis Vuitton también apuesta por artistas emergentes, por ejemplo,
Christopher Lawson y Marcos Villalba.
La obra de esta pareja se titula Latitud 48.914 / Longitud 02.286, son las coordenadas donde se sitúa el taller histórico de Louis Vuitton. El diseño hace referencia a las cartas topográficas.
Stephen Sprouse
Diseñador americano y artista punk de los años 80 colaboró con Louis Vuitton mezclando street-art y lujo en 2001 (y con una reedición en 2009). Esta firma fue una de las marcas pioneras en este tipo de colaboraciones.
Esta misma firma también ha colaborado con:
Takashi Murakami
Artista japonés que une arte tradicional japonés, corrientes artísticas de su país como el anime y el manga y la corriente pop americana. Es un artista muy versatil: ya que toca la pintura, la escultura, el diseño industrial, el anime, la moda y otros medios, sin dejar de lado el merchandasing.
Gary Card
Artista que ha utilizado el nuevo diseño del packaging de Loewe para crear una serie de esculturas, jugando a construir bloques que forman siluetas que nos recuerdan a personajes y elementos del mundo del circo.
Emanuele Radzyner
Artista francesa. Crea instalaciones temporales que transforman los espacios. Sus obras son invasivas y están compuestas, a menudo, por la repetición de un mismo elemento que forman un todo.
Robert Clarke
Artista americano que llevó acabo la decoración para la primera edición de ‘Las jornadas particulares’, donde un artesano mostró cómo se construye un bolso Amazonas.
Rachel Thomas
Rachel Thomas es una artista de escenarios a gran escala. Para el escaparate de Loewe se ha inspirado en los libros infantiles desplegables (o de pop-ups).
Kongo
Grafitero francés que ha colaborado en el escaparate de la tienda de Hermès de Barcelona en una instalación efímera que ha durado dos semanas.
Otras tiendas que han seguido esta moda son:
Selfridges (grandes almacenes), colaboraron con el artista Dominic Wilcox para hacer sus escaparates. La obra se titula Field, son 700 zapatos ecológicos con los cordones de hierba. El proyecto, que ya se había exhibido anteriormente en otras galerías, es una obra que reflexiona sobre la relación que tienen los objetos cotidianos y la naturaleza.
Printemps. Los almacenes franceses han mezclando las prendas de ropa con algunos de los iconos más característicos de Estados Unidos como homenaje a la moda american en la semana de la moda de París.
Read More
En 1986 Steve Jobs, recientemente despedido de su propia compañía, necesitaba una identidad de marca para su nuevo negocio, NeXT. Steve quería al mejor, Paul Rand, pero este trabajaba para IBM y solo trabajaría para Steve previo consentimiento de IBM. Finalmente Steve consiguió permiso para poder contratar a Rand y se lo llevó a California.
La única información que tenía Rand era que el ordenador tendría forma de cubo negro, así que creyó oportuno que la marca también la tuviese. A Steve le pareció bien y le pidió varias propuestas, gran error, Rand no hace propuestas. “Resolveré tu problema y me pagarás por ello” le dijo a Steve. “Lo puedes utilizar o no pero yo no hago propuestas y en cualquier caso me pagarás, si quieres varias propuestas habla con otros”. Y tanto que si pagó, nada más y nada menos que 100.000 $.
Dos meses después Rand le presentó la solución en forma de manual de marca. Cien páginas para guiar a Steve por el proceso creativo de diseño hasta llegar a la conclusión lógica, incluso Rand cambió el nombre de la marca, pasando de NXT a NeXT, aportando la “e” refiriéndose a educación. A Steve le encantó pero cuestionó el color amarillo de la “e” queriéndolo hacer más brillante, a lo que Rand contestó: “Llevo haciendo esto durante cincuenta años y sé lo que hago”. Recordad que Rand tenía 71 años y reconocimiento mundial en su campo.
Entrevista a Steve Jobs en 1993
Fuente: http://imprint.printmag.com/branding/paul-rand-steve-jobs/
Más info: http://www.paul-rand.com/
Según la Wikipedia, la levitación es el efecto por el que un cuerpo se halla suspendido estable en el aire, sin mediar de otro objeto físico en contacto con el cuerpo que sustente al que levita o flota.
La levitación tiene un punto ambivalente: se le puede atribuir a los santos, pero también a las personas poseídas; los yoguis y los monjes budistas la practican, y popularmente los magos de todos los tiempos siempre tienen trucos en los que la gente parece flotar. En pintura hay incontables ejemplos de levitaciones, desde las pinturas negras de Goya a las vírgenes de Rafael o Murillo, por poner dos ejemplos, pero también en algunas pinturas de Chagall, Magritte o Dalí.
En fotografía es un recurso utilizado por ciertos fotógrafos, y algunos de ellos la convierten en el centro de su obra. Enseño aquí los que más me atraen.
Lartigue (1894-1986) siempre dijo que se sentía fotógrafo aficionado: iba a todas partes con su cámara. Perteneció a una familia adinerada; su primera cámara se la regaló su padre cuando tenía ocho años. El motivo central de su obra es la felicidad, la gente alegre. En sus instantáneas de gente saltando siempre hay un fondo positivo, como si “flotar”, además de un hecho físico, fuera un sentimiento. Lartigue estuvo obsesionado por atrapar el detalle del movimiento, como una cámara lenta, y utilizó casi siempre carretes en blanco y negro porque le permitían captar mejor el movimiento.
A Lartigue le llegó la fama casi con setenta años, gracias a una retrospectiva que le hizo el MoMA en el año 1963. Justo el año anterior la revista LIFE publicó un reportaje suyo en el mismo número que llevaba como portada la noticia del asesinato de Kennedy. Se vendieron millones de ejemplares y Lartigue se hizo famoso.
Este fotógrafo americano, casi coetáneo de Lartigue (1903-1991), tiene una intención totalmente distinta. Sus figuras flotantes, o saltantes, se enmarcan en un cielo blanco, como un lienzo, y aparecen a contraluz, como si en vez de cuerpos fueran figuras abstractas. A lo largo de su vida Siskind escribió múltiples ensayos sobre fotografía y sociología.
Londinense nacida en 1967. Sus padres se divorciaron cuando era pequeña, y ella se fue a vivir con su madre a una comuna hippie hasta los 16 años, cuando su madre la abandonó. Luchó por entrar en el Goldsmith College y siempre tuvo trabajos alternativos para conseguir pagarse los estudios y realizar sus primeros cortos. Es muy conocida por el vídeo en una toma de Beckham durmiendo o por la serie de fotografías de actores llorando.
En el año 2003 realizó la serie de autorretratos Self Portrait Suspended en los que aparece suspendida, casi como si estuviera en trance o dormida, en medio de una sala. Tiene otra serie de autorretratos, Bram Stoker’s Chair, en los que aparece con una silla, en mitad de una caída imposible.
Aunque nació en Bremen, Alemania (1970), pronto se marchó a estudiar al Reino Unido. Sus fotografías están muy cuidadas, cuenta en su web que utiliza hasta 20 flashes para conseguir la iluminación que busca. El tema central de gran parte de su obra es la mujer, en concreto la adolescencia y el paso de ésta a la madurez. Su serie Teenage Stories es muy conocida; en ella chicas adolescentes aparecen en escenas cotidianas pero a una escala equivocada, como la Alicia de Carroll.
Posterior a Teenage Stories, y continuación, es la serie In Between, que habla de esa transición de adolescente a mujer y la sensación de estar fuera de lugar. Se trata de una serie de escenas en las que aparecen adolescentes flotando en entornos muy cuidados, casi de revista, pero siempre hay algún detalle de ruptura con el ambiente: unos libros que se caen o un espejo roto.
Natsumi es una fotógrafa japonesa no profesional, según ella misma dice, que se fotografía levitando en todo tipo de sitios. Lo bonito de los autorretratos de Natsumi es cómo emerge del mundo cotidiano, suspendida en medio de una zancada. Según cuenta ella misma, no utiliza apenas posproducción y tarda horas en preparar cada fotografía y cada salto.
Indagando para preparar este post he encontrado algunos fotógrafos más, también interesantes, que os dejo aquí por si el tema os parece interesante: Denis Darzacq, Lissy Laricchia o Maia Fiore.
Read More
“Una tipografía es uno de los más elocuentes medios de expresión de cada época o estilo. Próximo a la arquitectura, proporciona el retrato más característico de un periodo y el testimonio más severo del nivel intelectual de un país» Peter Behrens.
En el año 2008, La Biblioteca Nacional de España acogió bajo el nombre “el arte en la tipografía y la tipografía en el arte” una exposición comisariada por Enric Satué en la que se analizan los tipos de manera conceptual bajo la influencia que ha tenido en la obra de los mejores artistas del siglo pasado.
El diseño de la exposición se planteaba con 40 tipos de los 50.000 diseñados hasta el momento enfrentados a 40 obras de artistas que las habían utilizado en la composición de la obra.
Se centra sobre todo en obras pictóricas dejando a un lado otro tipo de disciplinas como las instalaciones o arte urbano, como puede ser el caso de los artistas estadounidenses Jenny Holzer o Kay Rosen.
A través de la selección de artistas que se realizó con motivo de la exposición, recorro las obras en la que tiene una presencia notable la tipografía siendo la mayoría las que fueron expuestas.
El catálogo se puede encontrar digitalizado (no en su totalidad) en Google Books. Fue escrito por el diseñador (y comisario de la exposición) Enric Satué, una de las figuras más representativas del diseño gráfico español de finales de los 80 y de la década de los 90, y Premio Nacional de Diseño en el año 1988.
Read MorePrint está dedicado al encuentro con ediciones impresas internacionales poco conocidas, con público reducido e incluso gratuitas o auto-editadas, pero con exquisita producción y dirección de arte. En un mundo cada vez más digitalizado y con publicaciones más efímeras, reivindicamos el tacto del papel, el sonido de las hojas al pasar, el fetichismo de librería.
Newwork Magazine
En este número 2 de Print, nos encontramos con el espectacular trabajo del estudio Newwork de NY: su propia publicación. Ellos lo definen algo así como “una publicación artística de gran formato para el conocimiento de nuevas ideas”.
No es una revista sobre sus proyectos. Sus reportajes los firma una amplia red de colaboradores del ámbito cultural, artistas plásticos, directores de arte, fotógrafos, tipógrafos, etc.
Se trata de una revista en formato y papel periódico, espectacular en dimensiones y espectacular en el tratamiento de la tipografía, de las imágenes y especialmente de los “blancos”, esos espacios vacíos que marcan la diferencia entre una publicación exquisita y otra más convencional, y que sin saber por qué muchos se empeñan en evitar.
Son ya seis publicaciones desde el año 2008, con un formato aproximado de 23 pulgadas (unos 584 mm) de alto y 32 pulgadas (unos 820 mm) de ancho total.
Mientras que el primer número de Newwork es un homenaje específico al trabajo de artistas y diseñadores de Nueva York (Tiziano Magni o la galería Eli Kince, entre otros), el segundo “explora la capacidad de imaginar en la vida creativa para cambiar el mundo” con Norman Watson, Alex Trochut o Yoko Ono.
En el número tres, colaboradores como Willi Kunz o Akira Kobayashi investigan acerca del rostro en sentidos literal y abstracto, y en el cuarto número Albert Watson o Wolfgang Weingart explotan el contraste como forma de potenciar sus proyectos.
En el número cinco, con la elegancia como concepto, destaca un interesantísimo reportaje sobre tres generaciones de diseñadores editoriales, Rudolf Hostettler —el legendario diseñador suizo, editor de la revista suiza “typografische monatsblätter”— Jost Hochuli —discípulo de Hostettler, tipógrafo y diseñador gráfico, fue también alumno de Frutiger— y Gaston Isoz —diseñador berlinés con una estética muy similar a la de los anteriores. En el seis, una especie de continuación del anterior, se trata la belleza de lo sensual como tema sobre el que giran los proyectos de Helmut Schmid, Christophe Kutner o Rene Burri.
Fieles al estilo que encontramos en cada uno de sus proyectos —preciosos trabajos de comunicación para Lerario Beatriz o Robert Geller— cada doble página interior de Newwork Magazine es un juego en blanco y negro a favor o en contra de la retícula. Da la impresión de que para el equipo de Newwork cada contenido es una aventura más, un reto con el que disfrutar o poder divagar gráficamente.
El tratamiento de la revista en la web, con una selección de los reportajes que aparecen en cada número, refleja la potencia de la revista física. No dejéis de visitarla.
Desde un punto de vista más comercial, sorprende también su amplia distribución. Está al alcance de cualquiera que deambule por la ciudad de NY, desde consagrados puntos de referencia —Opening Ceremony— hasta el establecimiento de prensa de la esquina. Afortunadamente disponen de compra on line para los que estamos fuera de US o Tokyo.
Newwork Magazine
New York / USA
www.newworkmag.com
www.studionewwork.com
Por Miguel Sánchez Lindo
Es llamativo que, en lo referente al arte ruso, siendo éste uno de los países centrales del siglo XX, nos hagamos en Europa apenas una pequeña idea de lo que ha supuesto, de sus avances y movimientos. Después de los años veinte, pasada la resaca de la Vanguardia, todo es kistch, todo es propaganda, nada tiene por qué ser mirado. En esta nueva exposición de la Fundación Juan March, dedicada a Aleksandr Deineka, Una vanguardia para el proletariado, los organizadores han conseguido reconstruir un relato coherente de las tres décadas que van desde el triunfo de la revolución a los años cincuenta y el final del estalinismo.
Son varias las historias que se superponen en estos años y varios, también, los resultados plásticos que se traducen de éstas. Vemos, en la exposición, los orígenes de una vanguardia formalista en los maniquíes uniformados y en los bocetos del cuadro negro de Malévich, desembocando en seguida en el suprematismo; vemos el auge y caída de la LEF (Frente de Izquierda de las Artes) acompañar, de un modo casi sincronizado con la historia, desde la consolidación del nuevo sistema hasta el final de la Guerra Civil (1923). Asimismo, vemos cómo un país inventa de la nada la propaganda moderna, dando un discurso a su población y exportando otro a todos los demás países; vemos, en definitiva, la carrera de un pintor, Deineka, que nunca llegó a pertenecer a ninguna de las vanguardias históricas, pero del que no se puede dudar de su modernidad, viendo el panorama artístico internacional del que es contemporáneo.
En el realismo de Deineka se observan algunos de los hechos fundamentales del arte moderno, como la disolución de la perspectiva en la superposición de planos, influencia inequívoca del collage en el que se premia lo narrado sobre la veracidad. En esta elección, su pintura es hermana de las ilustraciones de Grosz o de los collages de Heartfield. Sólo el discurso es real, puesto que la realidad es compleja y caótica, la tarea del artista es, entonces, reorganizar los elementos para darle una coherencia de la que carece. Esta sinceridad formal, en la que el autor reconoce que en el acto de reproducir también hay falseamiento, permite que los pintores se acerquen a los temas con una libertad que, casi desde las ilustraciones medievales, era imposible. Pero, y ésta es la diferencia más profunda entre los alemanes y el ruso, mientras que los primeros dedican su carrera a demostrar lo sórdido del mundo en el que viven, Deineka pone su oficio al servicio de la propaganda soviética para vender las bondades del hombre nuevo, con un optimismo del que sólo la propaganda es capaz.
La exposición plantea aquí, de nuevo, la pregunta con la que uno tropieza una y otra vez al mirar el arte ruso -pregunta que, en realidad, es extensible a todo aquél que se dedica a trabajar por encargo para embellecer el producto de otros: hasta dónde es legítimo trabajar como propagandista cuando sabemos que con ello se está enalteciendo el sufrimiento de los demás. Los paisajes idílicos de los Koljós (colectivización forzosa de tierras) de Deineka, esconden los miles de muertos que siguieron a esta política del gobierno ruso, y es imposible que el pintor no fuese consciente de ello. La electrificación e industrialización del país son, también, un tema recurrente en las obras expuestas que, con la glorificación del trabajo, evitan dar cuenta del desastre ecológico y humano de estas medidas.
Siempre es un gusto conocer la obra de un pintor como Aleksandr Deineka, pero lo es también encontrarse en vivo con las revistas y carteles diseñados por Ródchenko, con los experimentos de El Lissitzky o con las composiciones asombrosas de publicaciones como URSS in construction.
La manifestación (dibujo para Prozhéctor), 1928
La producción alimentaria (portada revista Dáyosh), 1929
La competición socialista (portada revista Dayósh), 1929
Convertiremos Moscú en el modelo socialista de ciudad del estado del proletario, 1931
Trabajar, construir y no lamentarse, 1933
Read More
Cuando hablamos de diseño industrial nos vienen a la cabeza piezas sofisticadas, exclusivas, originales y, por lo general, objetos que no están al alcance de todos los bolsillos.
Pero lo cierto es que el diseño está en todas partes, en nuestro día a día. Todos los objetos que nos rodean fueron pensados y proyectados por alguien. Unos con más éxito que otros. Personalmente creo que el diseño debe dar respuesta a un problema con la finalidad, fundamental, de ser útil, funcional. El diseño no se dedica a “hacer cosas bonitas”, sin más. El diseño es una “metodología”, una profesión que emplea herramientas para clarificar, ayudar y buscar la solución a un problema dado (ya sea éste gráfico, visual o de producto).
Estos son algunos ejemplos de objetos cotidianos muy bien resueltos gracias al este diseño, bien planteado y bien finalizado.
Objetos seleccionados.
Kawamura-Ganjavian es un estudio de arquitectura y diseño fundada en 2000 por Key Portilla-Kawamura y Ali Ganjavian. El estudio fue establecido en Londres en origen, actualmente cuentan con sedes y puestos avanzados en Madrid, Lausana, Bruselas, Londres y París.
En sus trabajos prima la funcionalidad y la simplicidad. Este es un ejemplo claro. Las herramientas que utilizamos diariamente pueden ser combinadas con el fin de facilitar su uso y reducir al mínimo el espacio que ocupan.
Robin Grasby, diseñador inglés.
Uno de sus diseños es este escritorio modular y adaptable que permite al usuario personalizar cada aspecto de su espacio de trabajo. Mediante la selección de todo, desde el tamaño de la superficie de un material para el almacenamiento y accesorios, el usuario puede crear un ambiente totalmente personalizado.

Escritorio adaptable
Jasper Morrison, también inglés.
Los servicios ofrecidos por JM Ltd. son muy variados: desde vajillas y objetos de cocina hasta mobiliario, iluminación, electrónica y diseño de producto.
Este es un ejemplo de diseño cotidiano y funcional que ha encontrado una buena solución a una necesidad.

Ollas y sartenes de acero inoxidable para uso doméstico
Dónde encontrar estos productos.
Established and sons

Lampara de LEDs.
MUJI

Estanteria modular de plástico
VITRA

Mesa supletoria
MATILDA

Sillas plegables de cartón
MAGIS

Mesa plegable. Naoto Fukasawa
Última recomendación, esta publicación de Lars Müller Published: un libro llamado “Super Normal”, donde también trata este tema.

Hoy en día, gracias a internet, tenemos infinidad de fuentes de inspiración, infinidad de información e infinitas maneras de ver cómo evoluciona el diseño gráfico internacional. Pero cuando internet no era lo que es hoy, o incluso no existía, la única manera de estar al día era suscribirse a alguna revista emblemática del sector. Personalmente me quedo con eye.
Gracias a ella, muchos de nosotros descubrimos el diseño más allá de nuestras fronteras. Cuando recibías un número por correo, había que respirar hondo y estar preparado para absorver toda la información posible. Realmente se disfrutaba. Teniendo unas pocas fuentes y referencias, tenías que sacar el máximo provecho de cada una de ellas. Lo increíble de esta revista es que, a pesar del bombardeo que supone internet, sigo descubriendo cosas en cada número y deseando que llegue el siguiente.
Os dejo una selección de mis portadas favoritas.
Podéis consultar más aquí o aquí
Read MoreÚltimamente veo en internet obras de artistas obsesionados por el orden. El último, Ursus Werhli y sus clasificaciones compulsivas. Aquí os dejo los que me parecen más interesantes.
Vik Muniz
Artista brasileño que vive en Nueva York. Sus obras más reconocidas son las fotografías realizadas a partir de imágenes hechas con chocolate, aunque utiliza gran diversidad de de materiales: hilo, gominolas, basura, cables, CPUs. La imagen que reproducimos aquí es un mapamundi hecho a partir de ordenadores desechados.
El documental Waste Land (2009) recoge el trabajo que realizó durante tres años en el gran vertedero de Sao Paulo. Allí fotografió a varios trabajadores que recolectaron distintos tipos de desechos, los clasificaron y compusieron las fotografías previamente tomadas, dirigidos por Muniz.
Carl Kleiner
Fotógrafo sueco. Su trabajo más conocido es el libro de recetas que hizo el año pasado para Ikea.

Además del libro realizó una serie de piezas –con la técnica stop motion.
Experimenta mucho con el papel y tiene varias series geométricas muy interesantes.
Todd McLellan
En su serie Disassembly se dedica a desmontar máquinas: teléfonos, radios, máquinas de escribir… para luego clasificar sus componentes creando una imagen ordenada y pura. Pero, además, en esta serie fotografía las máquinas en medio de una explosión, como si deshiciera el trabajo de clasificar y componer. Aquí os dejamos un vídeo de cómo desmonta una radio y una máquina de escribir.
Ursus Wehrli
Hace unos años publicó el libro Ordenando el arte. En él, “revisaba” algunas obras de arte contemporáneo (de Van Gogh, Miró, Kandinsky, Haring o Klee) y con mucho humor ordenaba todos los elementos de las obras, con resultado quizás desigual. Pero acaba de publicar un nuevo libro, The art of clean up, con un trabajo, para mi gusto, más interesante. Aquí os dejamos unas imágenes.
Jonathon Kambouris
En su serie The Last Meals Project representa las últimas comidas de míticos condenados a muerte en Estados Unidos. Es un proyecto realmente muy interesante, y que parece que próximamente publicará en un libro.
Con motivo del inminente aniversario de nuestra primera década como agencia en el entorno del diseño, estamos revisando antiguos proyectos en erretres.
Uno de nuestros favoritos es el que, el año pasado, nos propuso L’Oréal. Junto a otras 4 agencias, esta firma internacional nos invitó a rediseñar el packaging de una de sus líneas de productos de belleza femeninos: Dermo-Expertise, bien posicionada tanto entre marcas tradicionalmente competidoras (Olay, Nivea, Babaria) como entre marcas blancas, que han ido copando buena parte de cuota de mercado.
El reto consistía en definir y diferenciar la identidad de esta línea frente a los productos de las otras firmas con las que compite, tanto en precio como en target.
El proceso de investigación empezó con una profunda investigación de la competencia. Una vez establecidas las diferencias y las semejanzas en paleta de colores predominantes o tipos de packaging, erretres planteó un total de 6 líneas de trabajo.
Proponíamos la unificación de todos los productos de la línea a través de una nueva familia tipográfica. Esta nueva tipografía favorecía no sólo la presencia del logotipo sino también la del resto de los elementos gráficos.
La gama cromática por la que nos inclinamos finalmente lograba diferenciar la marca L’Oréal del resto de productos competidores, convirtiéndola en un producto único y destacado.
Read MoreA menudo la ciencia se muestra muy inaccesible para los que no estamos familiarizados con sus códigos. De una manera complicada intentan explicarnos la configuración de un sistema que, sólo en casos muy aislados, podemos llegar a comprender hasta la raíz, sin comprender más allá del titular de una noticia.
La capacidad de trabajar con lo abstracto, con teorías intangibles que se construyen de fórmulas creadas por un sistema de referencia diseñado por nosotros con la finalidad de comprender lo que nos rodea, es un reto al que sólo pueden acceder unos pocos. Lo que pretendo con la serie Science Poster, que se inicicia con la #1 La teoría del caos, es sintetizar la belleza de la ciencia, intentar concentrarla en una imagen. Conceptualizarlo en una ilustración y hacerlo más cercano. En definitiva, mostrar la potencia que rodea a la ciencia y a sus hallazgos de una manera sencilla. En esta serie, tendrán cabida también las paradojas no resueltas o debates que han trascendido varios siglos y que quedaron casi en el enigma.
El método proyectual para la resolución de los gráficos que muestro es similar al científico: reducir “la ecuación” al máximo partiendo de “hipótesis” que se toman como válidas. Para ambas disciplinas, esta es la metodología adecuada para avanzar y resolver problemas más complejos. En este trabajo que os muestro, hago uso de determinados elementos gráficos con el objetivo de crear un sistema visual que logre la óptima comprensión de lo que se quiere transmitir: con una serie de carteles, buscar la síntesis de teorías que sirvan al espectador de una aproximación a su significado. La poética de la ciencia, como un objeto que inspira, atrapa o deja indiferente. Espero que lo disfrutéis.
#1 La teoría del caos
Sistemas dinámicos muy sensibles a las variaciones en las condiciones iniciales. Pequeñas variaciones en ellas pueden implicar grandes diferencias en el comportamiento futuro; complicando la predicción a largo plazo.
Las secuencia que muestro a continuación proviene de un video de James N. Sears sobre la teoría del caos producida en un Circuito de Chua a través de un osciloscopio de rayos catódicos.
Para encontrar más información relacionada podéis consultar Wikipedia, que contiene varios enlaces sobre la divulgación de esta teoría, y un análisis de modelos biológicos para su aplicación a modelos económicos.
Read More
La última edición de Selected B ha llegado esta misma mañana. Esta publicación, de referencia internacional sobre el Diseño Gráfico más sobresaliente en Europa, reseña nuestro proyecto Spain FHA 2010 para el ICEX.
Diseñamos el logotipo y el catálogo para el Pabellón de España en la Feria Food & Hotel Asia 2010, en Singapur.
Se diseñó una imagen gráfica basada en la iconografía del hospitality industry y elementos de equipamiento de cocina, refrigeración, hostelería… Gráficas directamente relacionadas con el claim “Food & Hotel”.
La imagen resultante de todo el proceso de creación fue la de un juego de piezas de hospitality desmontable, imagen que utilizamos como portada del catálogo y cartel de referencia del pabellón.
Fue un muy interesante proyecto, con muy buenos resultados y críticas que Laus nos ha reconocido y premiado con un Laus de Bronce 2011.
Portada Selected B. Graphic Design from Europe, 2011.
Proyecto Spain FHA 2010 en Selected B, 2011
Read MorePrint es el título de una serie de posts que voy a ir dedicando al encuentro con ediciones impresas internacionales poco conocidas, con público reducido e incluso gratuitas o auto-editadas, pero con exquisita producción y dirección de arte.
En un mundo cada vez más digitalizado y con publicaciones más efímeras, reivindicamos el tacto del papel, el sonido de las hojas al pasar, el fetichismo de librería.
Print nace hoy con Les Editions Purple.
Prácticamente todos en el sector conocemos Purple Fashion Magazine, el producto más visible de Purple Institute. Elein Fleiss y Olivier Zahm arrancan en el año 1992 con esta espectacular revista “anti-fashion” que por aquel entonces se conocía como Purple Prose.
Es en el año 2004 cuando se constituye otra editorial paralela, Les Editions Purple, que dirige solo Fleiss. Con ella se editan los conocidos como Purple Books, Le Cahiers Purple y Le Purple Journal, una cuidada selección de publicaciones semestrales, a medio camino entre los libros de relato corto y los catálogos de fotografía, con Christophe Brunnquell como director de Arte y en los que aparece muchas veces el extenso trabajo de Fleiss.
Son hasta ahora, 13 números de Le Purple Journal con ediciones francés e inglés y con contenidos diferentes en cada ocasión. Con pocas páginas en el interior para el color (sólo algún reportaje fotográfico concreto) predomina el carácter de texto o libro de lectura en blanco y negro, con un layout sobrio y claro.
Christophe Brunnquell comenzó trabajando para Encore Magazine, o la propia Purple Fashion Magazine. Más tarde su cartera se amplió con Louis Vuitton, Sportmax, Balenciaga o Colette. En la actualidad ha abandonado la dirección de arte para volcarse en su propia obra artística.
Con todas sus publicaciones descatalogadas, Les Editions Purple prepara su vuelta en 2012 tras un parón de 3 años. Para entonces podremos seguir comprando a través de su web.
Un número uno rotundo para esta editorial parisina.
Purple Books —Les Editions Purple
Paris / Francia
http://editionspurple.fr
AGI Open Barcelona ha sido intenso y maratoniano, como no podría ser de otra manera. Como en todo lo intenso, hemos disfrutado subidas y sufrido bajadas de interés o atención. He visto y escuchado a las referencias estándares internacionales para todos los que estamos en este entorno, el del diseño y la comunicación: Paula Scher, Sagmeister, Angus Hyland & Marion Deuchars, Tony Brook “Spin”, Chip Kidd…
El claim del evento, el que debía presidir sus intervenciones, era What. How. Why.
Si todos los ponentes han seguido o no esta premisa, habrá dependido de lo que cada asistente interpretara como “creativo”. En cualquier caso, no sirvió de guión o base visible de la exposición de casi ninguno de ellos –eché en falta que este claim sirviera de “maestro de ceremonia”.
Voy a señalar aquí lo que más me ha gustado, bien por el trabajo expuesto y explicado, bien por el mensaje de la conferencia o bien por presentar cuestiones de interés real en el contexto de la creatividad/innovación y su metodología o sistemas representacionales, tanto para el público presente como para potenciales clientes, partners o colegas de profesión.
El primer lugar, el excepcional trabajo cartográfico de Joost Grootens, arquitecto autodidacta en diseño gráfico: los mapas y su representabilidad. Un maravilloso compendio de visibilidad de datos. Una excelente lección de “Para qué sirve el Diseño”. Todo un descubrimiento. La monografía de su trabajo, que publica 010 Publishers en 2010, se titula “I swear I use no art at all”.

2010, I swear I use no art at all. Atlas of the Conflict. Findings on Elasticity. In Passing. Vacant NL.


2011, Book 101. Museum Index Play Van Abbe 4. Source 06 / The Milan Breakfasts.

Christoph Niemann presentó su trabajo como ilustrador en general y lanzó mensaje interesante para cualquier creativo: el listón está alto y hay que trabajar el concepto, estar atento a lo que se comunica y las consecuencias de ello. Crear y prever. Además, se permitió señalar más minuciosamente su archiconocido y bellísimo I LEGO NY.

El gran editor Lars Müller. Desde 1983 ha publicado casi 400 libros sobre tipografía, diseño, fotografía, arquitectura, arte. Entre ellos, el clásico ya Helvética. Homage to a Typeface, de 2002. Nos mostró grandes y fabulosas imágenes fotográficas funcionando como contenido y continente del discurso y de lo visual en los libros. Realmente impresionante.

Kenneth Frampton, Landform Building. Architecture’s New Terrain.


Dominique Ghiggi, Tree Nurseries. Cultivating the Urban Jungle.

El talento de Paul Sahre le permite combinar su trabajo profesional con el trabajo más personal, de autor. Fue muy divertido, ingenioso, subió la cuota de humor de todo el público y mostró metodológicamente el proceso de producción de uno de sus trabajos de autor (they might be giants), del que interesaba la investigación previa y “buenas prácticas” del trabajo en equipo. Nos ganó a todos enseguida, su conferencia empezó con un “I’m not Paula Scher”, por la confusión que sus nombres generan. Humor y disciplina, todo un autor.

Süddeutsche Zeitung Magazin, 2011, Illustration. Client: Süddeutsche Zeitung Magazin.

Otro gran ilustrador, Nicholas Blechman. Nos enseñó sus reglas, su método de trabajo en 14 pasos. Detalló el trabajo realizado para la portada de “The New York Times Magazine”, del 2004, excepcional y vigente, que aquí os dejo.

Anti–USA, SZ Magazine, 2009.


Beautiful Brutes. Op-Art New York Times, 2010.


Love and Marriage. Saturday Night Magazine, 2006.

Michael Bierut dejó al audiotorio exhausto y feliz. Otro Pentagram. Es rápido, listo, muy divertido también. Oratoria norteamericana –qué bien que lo aprenden en el College, la verdad. Habló de sus clientes, contó cosas que sólo en un contexto como el que compartíamos se pueden contar, sin pelos en la lengua, y detalló el proyecto desarrollado por él en Pentagram para la Saks Fifth Avenue, entre otros.

Project Saks Fifth Avenue. Client: Saks Fifth Avenue. Iconic New York retailer.

Vaya por delante el respeto por las trayectorias y carreras profesionales de los representantes, en este meeting internacional, del diseño español. Trabajos, proyectos y estilo conocidos por todos nosotros, tantas veces visitados y referidos, tal y como se merecen. La representación española del entorno profesional actual con el que todos nos codeamos, todos los días, los estudios, agencias, diseñadores que trabajan la comunicación y el diseño a nivel internacional brillaron por su ausencia, sin embargo. No vi el excepcional trabajo de muchos de nuestros colegas, desde el diseño de identidad hasta la animación gráfica del motion design. Ni rastro. Hemos logrado comunicarles a nuestros colegas internacionales en AGI Open quiénes son las referencias españolas del diseño? Cuál es el estado de nuestra profesión aquí? Me temo que en absoluto.
Resumiendo, me ha gustado poco ver tanta videocreación de bajo o ausente contenido de diseño o sobre diseño, trabajos sin remoto interés ni calidad suficiente presentados con el aspecto “cómo molo” tan poco atemporal (que suele acompañar tan bien a esas tendencias absurdas en las que un diseñador tiende a ridiculizar todo lo que no es diseño). Me ha gustado mucho el aspecto atemporal de los grandes diseñadores, ilustradores y comunicadores, sus trabajos de vigencia perdurable, el análisis de la realidad y del contexto que todos los grandes practican sobre su entorno. Me ha gustado mucho que ellos, los grandes de verdad, nos han contado que el diseño resuelve a través de la interface lo que un objeto (cualquiera que éste sea) le comunica a su usuario. Si esta interface la entiende un señor en la Viena de 1900 y otro en Abu Dhabi en el 2070, entonces el diseño habrá logrado su función y el diseñador, por tanto, brillante como cualquier profesional que logra el máximo exponente en su disciplina, habrá hecho un buen trabajo. Cierto, no se me olvida, el cliente que paga esta interface no siempre es el cliente idílico… Pero me encantaría poder preguntarle ahora mismo a un médico sobre todos los enfermos ideales que ha encontrado a lo largo de su carrera. Que el diseño es una disciplina de oficio, que se nos olvida esto a menudo… Me quedo con los sobresalientes ilustradores, muy agudos, acaso los que menos parecería a priori que han de pensar en estas cosas. Y con Joost Grootens, sin duda.
Read MoreCuando paseamos por la ciudad pocas veces nos paramos a observar con detenimiento los objetos
y cosas que nos rodean.
¿Es casualidad que la mayoría de las tipografías que se usan en el mobiliario urbano sean de palo seco o sans? Puede que las utilicen porque son textos cortos y concisos y usando una sans se consigue mayor legilibidad. O puede ser porque el objetivo no es que te pares a leer, sino que con una mirada rápida lo asimiles. Las sans al ser más compactas, manchan más, y consiguen una
mayor nitidez que las que tienen serifa.
El caso es que lo consiguen. Nadie va por la calle leyendo lo que pone en las alcantarillas, pero
al final todos lo sabemos.
Estos son algunos ejemplos que he fotografiado en Madrid y Valencia.
Read MoreAbrimos las puertas del estudio a la inmensidad del ciberespacio con este timelapse de una
jornada de trabajo en el estudio, enjoy!
La editorial sueca RotoVision reseña el trabajo de tres proyectos de erretres.
“Vida 10.0 Invitación” para concurso internacional de arte y vida artificial de Telefónica, logotipo para “La noche de los teatros” y “La noche de los libros” (ambos eventos de la Comunidad de Madrid), y la identidad de “KREA”, proyecto cultural de Caja Vital Kutxa.
Vida 10.0.
Identidad de “La noche de los teatros” y “La noche de los libros”.
Celebration Graphics Sourcebook | Festive designs from all cultures, de John Stones.




KREA
No Rules Logos | Radical Design Solutions That Break The Rules, de John Stones

El reto de diseñar la identidad de otro buscador de vuelos low cost nos llevó a encontrar las similitudes, no tanto las diferencias, de este tipo de servicios online. Tras el análisis de los buscadores ya existentes y posicionados en la venta web, pasamos a concretar los aspectos que debíamos potenciar para comunicar Cheap and Go.
Toda la gráfica estaba dirijida a reproducir las sensaciones que busca el viajero potencial a la hora de ponerse a buscar su próximo destino. La amabilidad de la tipografía escogida, con sus formas redondeadas, así como la gama cromática, prácticamente reducida a la combinación de azul y blanco, potenciaban la aspiración a las vacaciones como espacio idílico de tranquilidad y disfrute. Ayudando así a una mejor comunicación del eslogan y espíritu de la empresa: find another excuse.
Los iconos usados son pictogramas de sistema, propios del lenguaje iconográfico en internet: la lupa para buscar, el avión asociado a los vuelos low cost. Se trata más bien de elementos lingüísticos “info-gráficos”, que funcionan por sí mismos como símbolos.
Compartiendo todas estas semejanzas, logramos una imagen fresca, joven y fácil diferenciada, del resto de buscadores y servicios de venta de billetes para vuelos nacionales e internacionales.
Read MoreErretres ha diseñado el catálogo del artista madrileño José Manuel Ballester con motivo de la exposición “La abstracción en la realidad”, donde se muestran varias fotografías de sus últimos años.
El catálogo con textos de la comisaria Lorena Martínez del Corral, el arquitecto Antonio Cruz y de la crítica de arte Simonetta Persichetti, nos acerca al viaje que el reciente premio nacional de fotografía realiza a través del espacio, la luz y el tiempo para explicar la relación entre la abstracción y la figuración. En la presentación Ballester señaló que se confunden en un mismo plano “aunque se tiende a dividirlas”. “Componen el plano más íntimo y el personaje que representamos en la vida”.
La exposición permanecerá hasta el 20 de noviembre en la Sala Alcalá 31.
Read MoreHe pasado dos maravillosos (y agotadores) días en Valencia en los premios de la ADCV. He tenido el honor de compartir el jurado con Xènia Viladàs, Martín Azúa y Rafa Soto de Herraizsoto&Co. Gracias a todos ellos y a toda la gente de la ADCV. Hemos aprendido y disfrutado un montón!!!
Read MoreHoy he empezado mis clases de branding en el Máster del IED Madrid. A los alumnos les he enchufado tres horas de teoría para poder dedicar las próximas clases al desarrollo del proyecto. Preparando las clases me di cuenta de algo que es bastante evidente, las grandes marcas que conocemos se han gestado gracias a la competencia y rivalidad con otras marcas. Tenemos múltiples ejemplos a lo largo de la historia:
PEPSI vs COCA-COLA
NIKE vs ADIDAS
APPLE vs MICROSOFT
GOOGLE vs FACEBOOK
REAL MADRID vs FC BARCELONA
…
Mi descubrimiento fue la interesante rivalidad entre IBM y OLIVETTI a lo largo de varios años del siglo pasado. De aquella época es la frase “Good Design is Good Business” de Thomas Watson en 1950, por entonces presidente de la empresa americana. Ambas compañías competían por desarrollar los productos, comunicaciones y espacios increíbles.
Lo que hace diferente este enfrentamiento frente a otros más actuales es el territorio de batalla y las armas. IBM y Olivetti competían para diseñar la mejor máquina de escribir, la mejor tienda, el mejor edificio o los mejores carteles. Por cierto, ¿qué marca actualmente hace carteles? 


Ambas empresas contaban con los mejores diseñadores del momento. Era una batalla por la calidad, donde el papel del diseño era estratégico y los productos que desarrollaban no estaban tan condicionados por el marketing, los estudios de mercado y los canales de venta como actualmente ocurre.
Entre otros, IBM trabajaba con Paul Rand y Elliot Noyes, Olivetti con Marcello Nizzoli y Ettore Sottsass. Diseñadores y empresas se consideraban pioneros en un mundo que sentó las bases para la revolución informática en los años 80.
Por contra, las rivalidades entre Nike y Adidas, tienen más que ver con sus patrocinios a estrellas y equipos o su omnipresente comunicación multicanal. Que decir de la rivalidad entre Coca-Cola y Pepsi… Esta semana era noticia que Facebook ha contratado a una agencia para difamar a Google. Claramente la batalla se ha trasladado a otros terrenos.
Las cosas se han acelerado tanto que un periódico impreso que publica noticias del día anterior no tiene sentido. El usuario accede a la información inmediatamente, desde cualquier lugar, y el stress al que se enfrentan las marcas en un entorno siempre cambiante es indigerible. En definitiva, cantidad frente a calidad. Largo plazo frente a corto plazo.
Como suelo decir, todos los diseñadores que me gustan están muertos y casi todas las marcas que me enamoran ya no existen o se dedican a otra cosa. Solo hace falta acordarse de los Eames, Rand, Aicher, Müller-Brockman, Bass, Castiglioni o Vignelli y las empresas para las que trabajaban para confirmar que el panorama actual deja mucho que desear. Afortunadamente, existen un puñado de empresas que lo están haciendo muy bien, a nivel local o global, y hacerlo muy bien pasa por integrar el diseño en tu estrategia.
Read MoreNorberto Chaves es tan intelectual y preciso que a veces es difícil seguirle. Interesante pero breve artículo sobre la nueva identidad de Perú en Foro Alfa.
Read MoreStudio H es una escuela pública que ofrece programas de diseño de un año. Esta ubicada en Bertie County, North Carolina, un pueblo gravemente afectado por los tornados de la semana pasada. Su metodología de trabajo está inspirada en el Design Thinking y la escuela es una prueba del poder y capacidad transformadora que tiene el diseño, merece la pena echar un vistazo a su web y ver lo que hacen.

Este año Erretres ha ganado cuatro Premios Laus. Tendremos que esperar unas semanas para saber si revista Matador (número dedicado a Barcelona) ha ganado un oro. La revista Valores para KPMG, el catálogo Spain FHA para ICEX y la identidad del festival Europes completan los proyectos premiados. Independientemente de quién se lleve un premio u otro del que más orgulloso estoy es del de la revista Valores. Estos premios se suman a los tres que ganamos hace dos años. El año pasado no nos presentamos ya que yo participé en el jurado. Todos los proyectos los puedes ver en nuestra web.
Read MoreMike Matas y Kimon Tsinteris, dos ex-ingenieros de Apple, han desarrollado Push Pop Press, una herramienta que facilita el desarrollo de libros para iPad y otras tabletas. Al Gore se ha subido al carro y su libro Our Choice: A Plan to Solve the Climate Crisis ha sido desarrollado con esta herramienta.
Read MoreLa próxima revolución esta aquí. Las impresoras 3D ya tienen precios asequibles y han llegado para quedarse. Sin duda, el impacto de esta tecnología en el diseño industrial será increíble. Recomendable el reportaje de The Economist.
Read MoreEn los próximos meses participaré como profesor de identidad corporativa en el Máster Intensivo en Diseño Gráfico del Istituto Europeo di Design en Madrid. Al ser intensivo, en siete clases habrá que combinar teoría, estrategia y diseño a la vez que ponemos en práctica lo aprendido en un proyecto concreto. El programa de mi asignatura es el siguiente:
Día 1
¿Qué es una marca?
Vocabulario básico: marca, identidad, logotipo, símbolo, avatar, etc.
Historia de las marcas. Grandes hitos.
¿Quién crea las marcas? Del diseñador a la consultora.
Tipos de marcas: corporativas, productos, co-branding, marca país…
Arquitectura de marca
El corazón de la marca. Estrategia y posicionamiento
El mercado de la marca: nosotros y nuestros clientes
Los elementos básicos de identidad
Los cinco elementos de visibilidad: productos, entorno, comunicación y comportamiento
La marca en internet
El valor de la marca
Auditorías y estudios de mercado
Día 2
Las fases de trabajo:
1. Investigación, análisis y recomendaciones estratégicas
2. Desarrollo de la identidad
3. Lanzamiento de un programa de identidad
4. Implementación
Gestión de la identidad
Libros de marca
Día 3
Diseño de símbolos
Logotipo + firma
Color
Tipografía
Aplicaciones de prueba
Presentación
Refinamiento del diseño
Aplicaciones básicas:
1. Papelería
2. Catálogos
3. Packaging
4. Producto
5. Website y nuevos medios
6. Señalización
7. Publicidad
8. Entorno
9. Vehículos
10. Vestuario
Día 4, 5 y 6. Desarrollo de proyecto
Día 7. Evaluación del proyecto en grupo
Una vez finalizado el Campus PHE puedo decir que estoy realmente satisfecho con los resultados. El trabajo de los alumnos es increíble y el equipo de PHotoEspaña nos ha tratado como a reyes. Lo mejor ha sido compartir las clases con Lesley A. Martin, editora en Aperture Foundation (NYC) y toda una maestra, y sobre todo ver que su manera de abordar un encargo editorial, desde el punto de vista de la editorial, es similar a la mía como diseñador.
Read MoreEste fin de semana participo en el Campus PHE sobre Edición de Libros. Con motivo del acto PHotoEspaña me ha hecho una entrevista.
Read MoreEn España, tercer destino turístico del mundo, hace mucho tiempo que llevamos hablando de la marca-país, pero en estos últimos tiempos la idea de la marca-ciudad se está poniendo de moda. Las ciudades son entes que compiten entre sí y muchas veces tienen una identidad más definida que el propio país.
Si nos fijamos en el PIB de las ciudades podemos ver que ciudades como Tokyo o Nueva York tiene una importancia económica similar a la de España con lo que la influencia económica y cultural de muchas ciudades es brutal y superior a la del propio país.
Saffron Consultants publicó un interesante estudio sobre la fortaleza de las marcas ciudad en Europa.
En España, salvo Barcelona, los resultados no han sido muy satisfactorios y en cierto modo los estereotipos asociados a la marca país son arrastrados por sus ciudades.
En Madrid conviven dos administraciones, tres equipos de fútbol, dos banderas y diferentes logotipos como los del Ayuntamiento de Madrid, madrid, Comunidad de Madrid, La suma de todos, MAD.RID, ¡MADRID!… lo que hace que la identificación con una marca sea realmente complicada. La ciudad de Melbourne ha resuelto problemas similares de una manera admirable.
Poner de acuerdo a las dos administraciones para que promocionen la ciudad con un sola voz es misión imposible, pero tampoco se entiende este derroche de personalidades que en muchos casos son contradictorias.
Madrid tuvo una gran oportunidad en Madrid 2016 y los resultados, tras convocar un concurso no restringido, fueron nefastos. En el año 2009 tuve la oportunidad de comer con uno de los responsables de la candidatura y me confesó que para ellos el tema la marca y la identidad no eran realmente prioritarios.
Burgos es una de las ciudades candidatas a ser capital cultural europea en el año 2016. Desde 2010 estamos trabajando con la candidatura en el desarrollo del dossier y otras piezas de comunicación. De 16 ciudades candidatas Burgos fue una de las que pasaron el corte y ahora estamos trabajando en otra serie de proyectos de comunicación e identidad (no puedo adelantar nada) para intentar conseguir ser la ciudad elegida.
El resultado del dossier lo podéis ver aquí.
Read MoreStarbucks ha cambiado su marca, dejando como único elemento identificativo la sirena. Siendo sincero, no sabía que era una sirena!!!
La empresa sigue el camino de Apple, que eliminó la palabra Computers de su denominación, y elimina la palabra Cafe.
La polémica está servida. Léete el interesante post de Nigel Hollis en Harvard Bussiness Review.
Read MoreRealizar la identidad de publicaciones de una institución, además de ser la asignatura (o taller) que imparto en el Máster de Diseño Editorial del IED Madrid, es una de las cosas que más me gusta. En un proyecto reúnes casi todas las importantes disciplinas del diseño: identidad,
editorial y packaging.
En Erretres estamos trabajando desde hace unos meses en la nueva identidad de publicaciones del Museo Thyssen-Bornemisza. El proyecto incluye el rediseño de sus nuevas guías y una serie de publicaciones relacionadas con la difusión de su colección. La identidad de la propuesta esta basada en la utilización de una gama de colores pastel que sugieren la gama de tonalidades que identifican a buena parte de las obras de la colección del Museo. Un identificación que contrasta con la gama de colores marrones y grisáceos del Museo del Prado y que refuerza la personalidad del Museo. Como tipografía corporativa la Galaxie Polaris, uno de los descubrimientos del 2010.
Read MoreSegunda edición del Festival Eñe en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Erretres ha desarrollado la identidad visual, la señalización del evento y las piezas de comunicación.



Hoy hemos empezado a imprimir en TF Artes Gráficas el catálogo de Brangulí, fotógrafo catalán de principios de siglo. Impresionante libro de 450 páginas.

Con este post inicio una serie en la que incluiré bocetos, dibujos y esquemas realizados en la fase de diseño de proyectos ya acabados.
En la imagen superior boceto de línea de trabajo de packaging PlanB!, abajo ideas para la campaña Tile of Spain del ICEX.


El proyecto de PlanB! definitivo:
http://www.erretres.com/index.php?nodId=13
Y el proyecto del ICEX:
http://www.erretres.com/index.php?nodId=138
Hace poco hemos implantado desde Erretres un programa de identidad en una empresa española con presencia en varios países. Hicimos un análisis de todo su abanico de marcas que incluía la marca madre, las divisiones y filiales y un buen puñado de marcas bastante conocidas. Nuestra área de intervención se limitaba a la marca madre y a las divisiones, pero siempre que tocas a la marca madre tienes que replantearte cosas que afectan a todo el sistema de identidad.
Después de nuestro análisis detectamos problemas en todos los elementos básicos de identidad: el naming, la gama cromática, la gama tipográfica, las marcas y por supuesto en la arquitectura de marca. Propusimos una nueva arquitectura de marca que ordenase el follón que tenían en su divisiones, filiales y marcas producto.
La identidad se ha implantado empezando por una de las filiales y uno de los temas que más dolor de cabeza nos ha dado es la elección de la tipografía corporativa.
Como tipografía corporativa propusimos una reestilización de una familia tipográfica diseñada por el tipógrafo noruego Eric Olson. Eric dirige una de las fundiciones tipográficas de mayor calidad, es un gran diseñador y bastante simpático. Es responsable entre otras cosas de la nueva tipografía corporativa de la marca Chevrolet. Su fundición es Process Type Foundry:
http://processtypefoundry.com/
Pedimos presupuesto para esta reestilización incluyendo una exclusividad y también para implantar la tipografía tal cual estaba diseñada, comprando para la marca en cuestión alrededor de 300 licencias.
La propuesta no llegó a buen puerto y no fue por temas económicos. El problema fue internet, la firma de email, el Word y la tipografía del día a día.
Tradicionalmente (antes de internet) las comunicaciones comerciales, ya fuesen libros, folletos, cartas o facturas de las empresas estaban orientadas principalmente a la impresión. Todo se imprimía bien en offset o bien en una impresora. Implantar una tipografía corporativa en una compañía era una tarea relativamente fácil independientemente de su tamaño.
Actualmente, con la llegada de internet, ya no imprimimos tantos documentos y el envío de correspondencia es casi algo del pasado. Internet ha permitió entre otras cosas casi olvidarnos del buzón de correos y del fax. El problema es que en muchas marcas el punto de contacto principal con la marca es internet y por ejemplo aplicaciones sencillas como una firma de email o el formato de un Word o Powerpoint tienen de repente una enorme visibilidad.
Independientemente de que son dos herramientas muy poco amigables para una estandarización seria el problema principal reside en la tipografía.
La tipografía corporativa es sin duda, tanto o más que el color, un elemento clave para la diferenciación. Esta tipografía no tiene que coincidir necesariamente con la tipografía con la que este compuesto el logotipo (estrictamente, un logotipo es la construcción tipográfica del nombre de la compañía y no el símbolo ni nada de eso).

IKEA es un ejemplo en todos los sentidos, pero el año pasado saltó una polémica porque IKEA cambio su tipografía corporativa, la que emplea para su señalización, los titulares de catálogo, las cajas de los productos, etc. De la familia Futura (o una versión retocada de ésta) pasó a la Verdana, diseñada por Matthew Carter para Microsoft que la distribuyó gratuitamente en todos sus sistemas operativos Windows. Es una tipografía que también viene de serie en todos los ordenadores de Apple. Verdana es una gran tipografía, sobre todo para internet o visualización en pantalla.
http://www.time.com/time/business/article/0,8599,1919127,00.html
http://www.ikeafans.com/home/ikeas-change-to-verdana-prompts-online-outrage/
Entendemos que IKEA quiere tener una misma expresión en todos sus canales ya sean online y offline y el coste que implica el tener licencias de una tipografía para cada usuario puede ser elevado si lo comparas con algo que es gratuito y no necesita ser instalado.
El problema es que si eliges como elemento de identidad uno que tiene todo el mundo tu identidad se resiente. Es como si todas las petroleras fuesen de color rojo o todas las marcas de coche se llamasen igual.
Seguramente el caso de IKEA es un gran error y demuestra quién manda en las grandes corporaciones. Es un pena porque hay caminos intermedios, la tecnología lo permite y para una compañía de tal dimensión sin duda el camino mejor es el encargo de una tipografía corporativa propia, como tiene por ejemplo Mercedes-Benz, Volvo y otras muchas marcas.
En nuestro proyecto con la empresa española elegimos una tipografía para el día a día, pero sin renunciar a tener una familia tipográfica propia para la señalización, las publicaciones y los materiales impresos.
Exactamente lo mismo nos pasó hace años cuando implatamos parte de la identidad del Museo del Prado. Erretres se encargó, entre otras muchas, de implantar toda su papelería administrativa y fue un infierno. El tema de las licencias, el intercambio de archivos, el día a día nos obligó a buscar una tipografía sustitutiva que estuviese instalada en todos los ordenadores de la institución, de sus colaboradores y del planeta entero.
Buscando para Matador marcas cuya tipografía corporativa fuese Futura, me metí en la web de Shell y vi que todo estaba en Verdana. Como es una marca que casi se ha desprendido del logo en favor de la concha (de Raymond Loewry), como Nike o Apple no puedo deducir si la cosa implica también el cambio de la rotulación de camiones y la señalización de gasolineras. Habrá que estar atento cuando vayamos a repostar.
Siempre que hacemos una web nos enfrentamos al mismo problema. Si no utilizamos el Adobe Flash (herido de muerte tras el enorme éxito del iPhone y iPad) tenemos siempre que hablar de tipografía de reemplazo o tipografías sustitutivas. Si la tipografía corporativa es sans serif las sustituimos por Arial y si es con serif Georgia.
Parece ser que en internet hay nuevas tecnologías que como en un PDF nos permitirán solventar este problema. Pero el problema todavía lo tenemos a nivel de sistema operativo o de documentos.
Todavía no es viable enviar un documento abierto (que no sea un PDF) a un cliente para que lo pueda editar manteniendo todo el look, la configuración de líneas y párrafos, sin que el cliente disponga de la tipografía. Lo mismo se aplica en los documentos. Los diseñadores trabajan en InDesign o QuarkXpress, los clientes en Word. ¿No puede existir una manera sencilla que permita compartir y editar documentos sin disponer de un software que vale una barbaridad?
Read MoreEn el libro “Brands and Branding” editado por The Economist Tony Allen y John Simmons repasan la evolución del branding a lo largo de este siglo.
Explican que los gloriosos años 50 y 60 fueron protagonizados por diseñadores como Paul Rand (IBM, UPS, Westinghouse, ABC, Enron), Saul Bass (AT&T, United Airlines, MInolta, Warner) o William Golden (CBS). Individuos extremadamente talentosos que trabajaban solos o con un reducido equipo y que consiguieron crear la identidad corporativa de estos gigantes. Es lo que denomina la época del design-driven identity.
En Europa tuvimos el ejemplo de Otl Aicher, responsable de la identidad visual de nada más y nada menos que Braun, Lufhthansa, ERCO o los míticos Juegos Olímpicos de Munich 1972, incluyendo los conocidos pictogramas. También realizó la impecable señalización del aeropuerto de Múnich o el logotipo y señalización del metro de Bilbao.
http://www.metrobilbao.net/cas/metro/marca.html
Además del libro que editó hace unos años Phaidon con el trabajo de Otl Aicher descubrí un enlace a una web que vende pósters y material de las Olimpiadas de Múnich 1972. Merece la pena entrar, echar un vistazo y gastarse unas libras:
http://www.1972municholympics.co.uk/
No hace falta decir que Otl Aicher es uno de los más grandes.
En los años 70 con la explosión del marketing el control de la imagen corporativa cayó en manos del departamenteo de marketing de las compañías, los diseñadores empezaron a mirar hacia otro sitio en busca de proyectos y surgieron las consultoras de branding. Es la época del strategy-driven identity.
Hace unos meses tuve la suerte y honor de dar una conferencia junto a Pepe Cruz Novillo, moderada por Emilio Gil y organizada por la AEPD en el Museo Nacional de Artes Decorativas. Pepe es nuestro Paul Rand o Saul Bass. Habiendo diseñado la identidad visual de decenas de grandes empresas españolas sufrió en sus carnes esta transformación que llegó a nuestro país con una década de retraso.
Hace unos años era inimaginable que una empresa multinacional encarguase el desarrollo de su identidad visual no ya a un diseñador individual, sino a una agencia o consultora de marca que no tenga presencia en todos los rincones del planeta.
Afortunadamente las cosas están cambiando, el diseño vuelve a ser cool y las compañías más innovadoras saben que el diseño es una poderosa herramienta si forma parte de la estrategia de la empresa, una herramienta imprescindible para la innovación y la diferenciación.
En estos años el brand management tendrá que convivir cada vez más con el design management (solo hay que mirar a Apple, Muji o cualquier fabricante de coches) y será interesante ver como las distintas empresas incorporan más y más el diseño a su estrategia. Y aunque llevemos hablando de todo ello décadas todavía queda mucho para que sea una realidad.
Pero el diseño dejó de ser solo tipografía, forma y color. El fin del diseño no será solamente hacer un mundo más bello, tendrá que caminar de la mano de la estrategia. ¿Estarán preparados los diseñadores para volver a mirar a las marcas?
Read MoreHace unos meses coincidí en el jurado de los premios Laus con el símpatico y mejor diseñador David Pearson, responsable de algunas de las mejores cubiertas de libro de la última década desde Penguin y después desde su estudio. A la vuelta a Madrid le envié un ejemplar del último número de Matador (Barcelona), David me dijo que jamás había visto una revista tan bonita. Ese comentario me hace recordar que Matador es un producto editorial único a nivel internacional.
Como todos los años por estas fechas estamos desarrollando en www.erretres.com el nuevo número de Matador. El número L de Matador estará dirigido por Miquel Barceló y poco más debo contar a estas alturas…
La revista todos los años ofrece muchas anécdotas divertidas y éstas son lo que hacen que diseñar Matador sea algo diferente a todo lo demás.
Este año la revista estará íntegramente diseñada con la tipografía Futura de Paul Renner. Como sabéis, cada año Matador se compone con una sola familia tipográfica y a la querida Futura ya le tocaba. La Futura es sin duda otro hito cultural europeo, al igual que la tipografía Helvetica.
Estamos buscando posibles marcas que puedan anunciarse en la revista y que utilicen en su logotipo o como tipografía corporativa la familia Futura. La primera lista que nos viene a la cabeza (sin contar a Ikea que se pasó a la Verdana de Matthew Carter) es esta:
Vitra, Shell, Volkswagen, Louis Vuitton, FedEx, Absolut Vodka, Canal+
y en este curioso aunque incompleto enlace que me pasa mi compañero Pablo
http://www.typografie.info/typowiki/index.php?title=Hausschrift-Liste_Unternehmen-zu-Schrift
descubrimos a Hustler, Aldi, Ritter Sport..
Seguro que hay muchas más marcas que os vienen a la cabeza.
Por cierto, mirando ahora mismo a la web de Shell… ¿También se han pasado a la Verdana?

































































































































































































































Comentarios recientes